Como se salvó Wan Fo

        Un cuento de Margarita  Yousenar
https:    //www.youtube.com/watch?v=le7ai9y3CDc 

Biografía de Alberto Olmedo

Fue uno de los cómicos más populares, queridos, y exitosos de Argentina y cuando su reconocimiento estaba más vivo que nunca la tragedia de su inesperada muerte lo convirtió en leyenda y agigantó aun más su genio y figura. El humorista murió en pleno apogeo de su carrera, haciendo éxitos en cine, teatro, y televisión, con ese sello tan particular que le imprimía a sus creaciones y personajes, muchos inspirados en personas de carne y hueso, amigos de su querido Rosario natal Nació un 24 de agosto del año 1933, en la provincia de Santa Fe. De origen modesto, se interesó de niño por la actuación y a mediados de la década del cincuenta se mudó a Buenos Aires para estar más cerca de las oportunidades laborales. Sus primeros pasos los dio en el canal estatal como operador y cuando el interventor descubrió sus dotes humorísticas le dio un espacio frente a cámaras, lado del que jamás salió. Su primer gran éxito llegó en la década del sesenta y con él también uno de sus personajes más entrañables: El capitán Piluso A mediados de los años sesenta se unió al elenco del programa de humor Operación Ja Ja, de los hermanos Sofovich, donde nacerán otros entrañables personajes: Rucucu. Los años setenta marcaron el comienzo de su exitosa sociedad artística con Jorge Porcel y una de las etapas más prolíficas y reconocidas de su carrera, tanto en cine como en tevé. Y la década del ochenta le dio paso a su estelaridad en solitario, en el emblemático programa No toca botón, dirigido por Hugo Sofovich, y que también generó personajes inolvidables: Rogelio Roldán, el Manosanta, Chiquito Reyes, Borges, el General González. A la par desarrolló una intensa actividad en el teatro de revistas compartiendo cartel con grandes colegas y vedettes: Moria Casán, Susana Giménez, Javier Portales, entre otros. Era un día lluvioso de marzo (*en 5/03/1988), la temporada teatral veraniega estaba por clausurarse en Mar del Plata ante el inminente final del verano y el país se conmocionó al conocer que su gran humorista Alberto Olmedo había muerto tras caerse del balcón del departamento en el cual se alojaba por esos tiempos. El edificio Maral 39, y su departamento del piso 11, pasaron a la historia por haber sido testigos de una de las tragedias más grandes que vivió el mundo artístico y el público: su cómico más amado había muerto a los 54 años nada más y nada menos y en pleno auge de su carrera Las suspicacias y las hipótesis alrededor de su muerte no tardaron en aparecer y se incrementaron a raíz del conocimiento de algunos detalles previos a su caída. Olmedo no estaba solo en ese momento, estaba acompañado por quien era en aquel entonces su pareja, la modelo y actriz Nancy Herrera, quien según contó intentó agarrar al humorista cuando perdió el equilibrio en la baranda del balcón pero no pudo sujetarlo más y termino cayendo al vacío. Herrera comentó que se estaban reconciliando, que habían bebido champagne y negó que hayan consumido cocaína tal como se especuló. Al poco tiempo del fallecimiento Herrera hizo público su embarazo de Olmedo. Tuvo un varón al que llamó Alberto en su honor. El negro, como se lo apodaba, tuvo otros hijos, un total de seis, incluyendo al que no llegó a conocer. Antes de Herrera estuvo casado con Judith Jaroslavsky y Tita Russ.

Charlie García - "Demoliendo hoteles"

¡Buenas noches!

Para terminar éste fin de semana, aprovechando que ya se encuentra la biografía del cantante en éste mismo blog, el día de hoy les traemos una canción de Charlie García.
"Demoliendo hoteles" es una canción perteneciente al género rock del álbum "Piano Bar", estrenado en el año 1984.

https://www.youtube.com/watch?v=DeMCz0O7-FM    

        

A mirar contigo Señor

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Amo ver el sol que alumbra el roció,

En el césped por las mañanas al despertar con Tigo.

Amo ver el amanecer cuando todavía te miro

El vapor que exhalo, aún hace frío.

 

¿Cómo son los? colores Quieres saber amigo,

Son como aún los percibo y quiero guardar conmigo.

Cuando preguntaste aún hoy te miro,

Y con lágrimas sonrió,

los colores son cálidos como el abrazo abrigo,

Y frescos como el anochecer y descanso merecido.

 

Amo los colores en la naturaleza porque Te siento cerca y te ciento vivo,

Ver en las alturas el firmamento mismo,

Construir con nubes, descifrar texturas y colectivos,

mirar con todos los sentidos.

 

Amo el color de tu voz de niña, adolescente en camino,

Tu risa pintando sueños infinitos.

Amo la esperanza de Tu Palabra, “la niña de tus ojos has dicho.

Los colores son eso nomas amigo.

 

¿Cómo son los colores quieres saber amigo?,

Son como los percibo y quiero guardar contigo.

Cuando preguntaste, aún hoy te miro, y

con lágrimas sonrío, los colores son esos nada más amigo.

                                                                       Autora:VERONICA ALMEIDA.

  

Vanda-Alma Fuerte el tema Se vos

                                            https://www.youtube.com/watch?v=1WIZVeUgdC8 

Torta de Tiramisú

INGREDIENTES: 1 Caja de Bizcochuelo Exquisita de Vainilla 220 de Leche 3 Huevos Para el almíbar de café: 300g de Azúcar 250cc de Agua 30 g de café instantáneo 50cc de Licor de café Para la crema de queso: 600 g de Queso crema 4 Huevos 200cc de Crema de leche 120 g de Azúcar 30cc de Agua 2 cdas de Cacao amargo para espolvorear Manteca y harina extra para el molde Rinde 12 porciones PREPARACIÓN: Prepara el bizcochuelo como indica el envase y cocina en un molde cuadrado, en mantecado y enharinado (25x 25 aprox). Enfría y corta en 3 capas. Para el almíbar: herví el azúcar con el agua por 3 minutos y retira del fuego. Agrega y disuelve el café. Por último, incorpora el licor y deja enfriar a temperatura ambiente. Para la crema de queso: batí los huevos con batidora. Hacé un almíbar con el azúcar y el agua hasta punto de bolita blanda o 118 grados. Volcá el almíbar sobre los huevos en forma de hilo mientras continúas batiendo, hasta que llegue a temperatura ambiente. Incorpora la mezcla del paso anterior con el queso crema, primero una parte y luego todo en forma cuidadosa para no bajar el batido. Por último, agrega la crema batida a medio punto. En una fuente pone una capa de bizcochuelo, moja con el almíbar de café y coloca una parte de la crema. Repetí este paso, terminando con una capa de bizcochuelo. Espolvorea con cacao amargo y serví bien frío. Tip: También podés hacerlo redondo.

El mito de la caverna

        Resumen del mito de bla caverna de Platón

En el mito de la caverna es un diálogo escrito por Platón, en el que su maestro Sócrates y su h    ermano Glaucón hablan sobre cómo afecta el conocimiento y la educación filosófica a la sociedad y los individuos.

En este diálogo, Sócrates pide a Glaucón que imagine a un grupo de prisioneros que se encuentran e    ncadenados desde su infancia detrás de un muro, dentro de una caverna. Allí, un fuego ilumina al otro lado del muro, y los prisioneros ven las sombras proyectadas por objetos que se encuentran sobre este muro, los cuales son manipulados por otras personas que pasan por detrás.

Sócrates dice a Glaucón que los prisioneros creen que aquello que observan es el mundo real, sin darse cuenta de que son solo las apariencias de las sombras de esos objetos.

Más adelante, uno de los prisioneros consigue liberarse de sus cadenas y comienza a ascender. Este observa la luz del fuego más allá del muro, cuyo resplandor le ciega y casi le hace volver a la oscuridad.

Poco a poco, el hombre liberado se acostumbra a la luz del fuego y, con cierta dificultad, decide avanzar. Sócrates propone que este es un primer paso en la adquisición de conocimiento. Después, el hombre sale al exterior, en donde observa primero los reflejos y sombras de las cosas y las personas, para luego verlas directamente.

Finalmente, el hombre observa a las estrellas, a la luna y al sol. Sócrates sugiere que el hombre aquí razona de forma tal que concibe a ese mundo exterior (mundo de las ideas), como un mundo superior. El hombre, entonces, regresa para compartir esto con los prisioneros en la caverna, ya que siente que debe ayudarles a ascender al mundo real.

Cuando regresa a la caverna por los otros prisioneros, el hombre no puede ver bien, porque se ha acostumbrado a la luz exterior. Los prisioneros piensan que el viaje le ha dañado y no desean acompañarle fuera. Platón, a través de Sócrates, afirma que estos prisioneros harían lo posible por evitar dicha travesía, llegando a matar incluso a quien se atreviera a intentar liberarlos.

Análisis del mito de la caverna de Platón

El mito de la caverna es una alegoría que abarca varios elementos que comporta la teoría de las ideas de Platón y un análisis dividido en 3 dimensiones:

la dimensión antropológica (naturaleza humana),

la dimensión ontológica (del ser) y epistemológica (del conocimiento) y,

la dimensión moral (valorización de la sociedad) y política (forma de gobernar).

La teoría de las ideas de Platón se basa en dos conceptos contrapuestos:

El mundo sensible, cuya experiencia se vive mediante los sentidos. Son múltiples, corruptibles y mutables.

El mundo inteligible o el mundo de las ideas, cuya experiencia es cosechada mediante el conocimiento, la realidad y el sentido de la vida. Siendo únicas, eternas e inmutables.

Dimensión antropológica

En Platón, cuerpo y alma corresponden a dos dimensiones diferentes. Por un lado, el cuerpo está inmerso en el mundo sensible, que es corruptible y cambiante, mientras que, por otro lado, el alma está unida al mundo de las ideas, que es perfecto e inmutable.

 

Reflexología

 La reflexología podal es una técnica de masaje específico, que se aplica en ciertas zonas de los pies que se corresponden con otras partes del cuerpo.

Este método permite al organismo estar en las mejores condiciones posibles tanto físicas como mentales para luchar o prevenir los distintos síntomas o dolencias. Es un medio de ayudar a la persona para que utilice al máximo sus propios recursos de curación y para que su energía circule más armoniosamente a través del organismo.

Esta técnica parte de la idea de que  los pies representan una imagen esquemática del cuerpo entero y de sus órganos, y a la vez, los considera como fuente de información para entender el desequilibrio energético de la persona que está siendo tratada.

Cada zona de los pies es el reflejo de un órgano del cuerpo, de ahí que mediante el masaje de zonas concretas de los pies se puede influir reflejamente sobre los correspondientes órganos internos.

Zonas de reflejos podales

La reflexología podal divide el cuerpo en 10 zonas verticales y 4 horizontales. Estas zonas también las encontramos en los pies dividiéndolos de forma longitudinal-transversal, en el cual se pueden situar las partes del organismo y los órganos según su emplazamiento real, creando así un mapa del cuerpo en los pies.

Beneficios de la reflexología podal

La reflexología podal es un método antiquísimo, del cual sabemos a partir de viejos textos e ilustraciones que los antiguos egipcios, chinos, japoneses, e indúes ya trabajaban sobre el pie para proporcionar buena salud. Al estimular ciertas zonas del pie se pueden obtener efectos en diferentes órganos o zonas del cuerpo. Algunos de los beneficios generales que podemos conseguir con la reflexología podal son:

Los pies son una zona que frecuentemente olvidamos y maltratamos, por lo que los masajes producen relajación en la zona.

Alivio del estrés. El masaje ayuda a liberarnos de las tensiones, aflojar las contracturas y ansiedades que se generan con el ajetreo del día a día.

Se produce una activación de la circulación sanguínea en el cuerpo.

Junto con la activación de la circulación se activa el sistema inmunológico.

La apertura de las vías neuronales y circulatorias hacen más efectivos los mecanismos de eliminación y desecho de toxinas de las células.

El cuerpo, al liberarse de las toxinas, puede encontrar un equilibrio.

                    --                

El castillo de Sandro

El castillo medieval irrumpe como una impactante rareza en el paisaje de avenida Pavón al     3900, donde Boedo aún conserva el pulso de barrio de casas bajas y talleres. Portón de madera maciza, almenas, aberturas de arco ojival, una torre coronando las tres plantas. Parece una escenografía de Game of Thrones injertada entre dos viviendas particulares, pero lo que es, en verdad, tiene magia propia y una leyenda que merece ser contada.

Es el castillo que Roberto Sánchez, Sandro, diseñó y mandó a construir en los años ochenta, que albergó sus oficinas porteñas, que fue ocupado ilegalmente

y vandalizado, y que ahora será reabierto como centro de actividades culturales.
La propuesta incluye un     bar temático donde se exhibirán objetos originales

del legendario Gitano.

La inauguración será este sábado 26 de octubre, a las 15. Asistirá Olga Garaventa, la viuda de Sandro, y el ministro porteño de Cultura, Enrique Avogadro, quien descubrirá la placa que declara al edificio como sitio de interés cultural para la Ciudad.

Había una vez…

La leyenda dice que todo empezó cuando Sandro volvía en auto luego de dar un recital. Era una impresionante noche de luna llena. Estacionó en la avenida

Pavón, entre las calles Quintino Bocayuva y Castro, se bajó y les dijo a sus acompañantes que allí, en esa cuadra, se imaginaba un castillo resplandeciendo bajo la misma luz que plateaba la arboleda del barrio.
Lo cierto es que, en 1980, Roberto Sánchez compró una propiedad ubicada en Pavón 3939, originalmente una casa chorizo con 8,66 metros de frente por 60

de fondo.

Según cuenta su biógrafa, Graciela Guiñazú, autora de Sandro de América (Editorial Planeta, 2017), "se había propuesto construir el mejor estudio de grabación

que existiese desde el Río Grande para abajo". Su fantasía era que lo inaugurara Tina Turner.
Ordenó la demolición completa y él mismo hizo los planos del nuevo proyecto, aunque su vocación por el dibujo se había limitado, hasta entonces, a bocetos de vestuarios y coreografías.

Roberto no tenía conocimientos específicos y sólo había completado la escuela primaria, pero leyó libros de Arquitectura, se sentó frente a un tablero de diseño y empezó a tirar líneas. “Todo lo que le interesaba lo aprendía y lo desarrollaba como si fuera una canción”, apunta Guiñazú.

Los planos, diseñados por Sandro pero supervisados y firmados por un arquitecto, fueron aprobados el 27 de noviembre de 1985. "Todos quieren tener un castillo

y yo me hice uno en Boedo", decía.

La construcción demoró unos doce años y el proyecto sobrevivió a las inestabilidades económicas de un país no apto para soñadores. Pero estamos hablando de la Argentina, que siempre, de alguna manera u otra, impone su cuota de desaliento.
Con la obra terminada, ya en la Convertibilidad, Roberto Sánchez se dio cuenta de que le resultaba más barato ir a grabar a los Estados Unidos que hacerlo acá, por lo que el castillo fue destinado solamente a oficinas (suyas y de su manager Aldo Aresi) y a depósito de instrumentos, equipos musicales y escenografías.

A principios de los noventa, una vecina de Boedo, Olga Garaventa, tuvo que salir a limpiar casas para sostener la economía de su familia. Rosita, la dueña de un kiosco, la sugirió que fuera al castillo de Pavón al 3900 porque estaban buscando personal de maestranza.

 Olga se entrevistó con Aldo Aresi, quien la recibió con una advertencia: “¿Usted sabe de quién es este edificio, verdad? Por eso no nos gustaría contratar a una fanática”. La mujer tranquilizó al manager, negó ser una de las clásicas “nenas” del cantante y fue contratada.

Sandro conoció a Olga entre las paredes blancas del castillo. “La primera vez que me habló, se me paralizó el corazón”, confesó ella años después. Allí se enamoraron. Allí, un 23 de diciembre de 2004, se dieron el primer beso. Se casaron el 13 de abril de 2007.

El presente

La mano de Sandro está detrás de todo lo que se ve en este edificio de 957 metros cuadrados cubiertos: las arañas, los faroles y los enrejados de hierro macizo, los arcos entre góticos y moriscos, los vitrales. El frente es tal cual cómo él lo dibujó, primero en 1985, y luego en 1987, cuando decidió agregar una planta más.

 Pero también hay objetos que refieren tanto a su historia personal como a su carrera artística. En la planta baja del castillo funciona un bar-museo, donde

se pueden ver, entre otras cosas, parte de la escenografía del show El hombre de la rosa (2001), el látigo de la película Embrujo de amor (1970), la bata

de seda que vestía cuando saludó a sus fans durante su internación en el Instituto del Diagnóstico, el retrato que le hizo Aldo Sessa, instrumentos musicales,

su vaso de whisky preferido, la copa con la que tomaba su religioso Martini de las cinco de la tarde y el cáliz y la bandera argentina que utilizaba en algunos de sus conciertos.

 En 2007, Sandro le cedió el castillo a unos conocidos con el compromiso de que lo usaran para montar una academia de música para chicos. “Sin firmar ni un solo papel, de palabra, como le gustaba a él”, cuenta Luis Ortiz, director del nuevo centro cultural.

 Lo que podía salir mal, salió mal: los ocupantes de entonces no cumplieron con su palabra (hicieron un salón de fiestas), dejaron de pagar y comenzó un lento proceso de deterioro que recién terminó con el desalojo por orden judicial en 2014.

Pablo Ferraudi, hijo de Olga Garaventa, y Ortiz, titular de la Escuela de Vinos de la Universidad Abierta Interamericana (UAI), se asociaron para poner en valor el edificio y para desarrollar el nuevo proyecto, que se llama Centro de las Artes y Viticultura de la Argentina (CAVA).

 Ortiz cuenta que en CAVA habrá catas de vino y whisky, se dictarán talleres de novela y literatura japonesa dados por Martín Sancia Kawamichi, cursos de comedia musical dictados por José Ángel Trelles, y de diseño de juguetes y ropa con material reciclado a cargo de José Otero.

 Además, funcionará la Diplomatura en Aplicación de las Artes en la Industria del Vino, de la UAI, y se desarrollarán muestras de arte bajo la curaduría de Luján Baudino.

 En el castillo de Boedo, aquel sueño nacido en una noche de luna llena, nunca llegó a cantar Tina Turner, pero poco importa frente al legado de Sandro, que se respira junto al aire en cada uno de sus rincones.

Artículo

NewsleClarín 

También para bailarines... (For Dancers Also)

Les Elgart - You Go To My Head (Te me subes a la cabeza)
https://youtu.be/et_n4y8K8Rw 

El AJEDREZ, sus orígenes y su historia

La Federación Mundial de Ajedrez (Federation Internationale des Echecs, conocida como FIDE por sus siglas en francés) fue fundada en París el 20 de julio de 1924 y, reconocida por el Comité Olímpico Internacional como Federación Internacional de Deportes en 1999.  Antes de la fundación de la FIDE, el ajedrez existió como un deporte jugado a nivel competitivo durante siglos. En sus más de 2000 años de historia desde sus orígenes en la India y los países periféricos de Asia, el juego sufrió una serie de cambios y se transformó en su forma actual en el siglo XV.

En aquellos días, no existía un código común que regulara las Leyes del Ajedrez o un reglamento uniforme para las Competiciones Internacionales. La única fuerza vinculante era que se trataba de un deporte de caballeros en el que se esperaba que los jugadores actuaran con decoro, además de la belleza perdurable del juego para sus practicantes.  

La promoción general del ajedrez en el mundo se debe mucho a las competiciones oficialmente conocidas como "Torneo de Naciones" y más popularmente como "Olimpíadas de Ajedrez". Este último título ha sido tan aceptado que el nombre oficial casi se ha olvidado. Esto es bastante comprensible, dado que las Olimpíadas se remontan a más de tres mil años.  Los antiguos Juegos Olímpicos reunieron no solo a deportistas sino también a poetas, que leían sus versos, filósofos que exponían sus conocimientos y hombres de estado, que aprovechaban la ocasión para negociar y concertar acuerdos. La idea de paz, comprensión y respeto mutuo todavía impregna a quienes participan en los Juegos Olímpicos de hoy. 

Con 191 federaciones miembros, la FIDE se encuentra entre las organizaciones deportivas más grandes del mundo, muy orgullosa de más de cuarenta campeonatos oficiales para jóvenes, hombres, mujeres y adultos mayores.  El ajedrez es un miembro afiliado, o plenamente reconocido por los Comités Olímpicos Nacionales en 117 países, y el ajedrez como deporte está reconocido en 107 países. Estos números se revisan constantemente al alza.  La FIDE cree que todas las naciones deberían estar incluidas en la comunidad internacional de ajedrez. Nuestro objetivo es lograr un crecimiento significativo en el número de personas de todas las edades que participan en eventos de ajedrez en todos los niveles y desarrollar el ajedrez aumentando el nivel de participación en torneos a nivel mundial.  El objetivo es doble, ayudar a nuestros mejores ajedrecistas a continuar logrando nuevos picos de excelencia y aumentar el grupo de talentos del que surgirán nuevos campeones.  Más jugadores significa jugadores más fuertes o de élite. Además, la competencia de ajedrez brinda valiosas oportunidades para que personas de todas las edades se mejoren, muestren el trabajo en equipo y se involucren más en una actividad comunitaria segura y saludable.

Juego del ajedrez y su historia
El ajedrez se originó en la India, donde su forma temprana en el siglo VI fue “Chaturanga”, que se traduce como "cuatro divisiones del ejército: infantería, caballería, elefantes y carros”, representados respectivamente por peón, caballo, alfil y torre. En Persia, alrededor del año 600 d.C., el nombre se convirtió en “Shatranj” y las reglas se desarrollaron aún más. Shatranj fue adoptado por el mundo musulmán después de la conquista islámica de Persia, y las piezas conservaron en gran parte sus nombres persas. En español "shatranj" se tradujo como ajedrez y en griego como zatrikion, pero en el resto de Europa fue reemplazado por versiones del persa shah ("rey").

El juego llegó a Europa Occidental y Rusia; desde el siglo IX y hacia el año 1000, se había extendido por toda Europa. Alrededor de 1200, las reglas de shatranj comenzaron a modificarse en el sur de Europa, y alrededor de 1475 varios cambios importantes convirtieron el juego esencialmente en lo que es hoy. El libro de ajedrez impreso más antiguo que se conserva, “Repetición de Amores y Arte de Ajedrez” (Repetición del amor y el arte de jugar al ajedrez) del eclesiástico español Luis Ramírez de Lucena se publicó en Salamanca en 1497. 

En el siglo XVIII, el centro de la vida ajedrecística europea se trasladó de los países del sur de Europa a Francia. Los centros de la vida ajedrecística fueron los cafés de las grandes ciudades europeas como Café de la Regence en París y Simpson's Divan en Londres. A medida que avanzaba el siglo XIX, la organización del ajedrez se desarrolló rápidamente. Aparecieron muchos clubes de ajedrez, libros de ajedrez y diarios de ajedrez.

Campeonato del Mundo
El primer torneo de ajedrez moderno se celebró en Londres en 1851 y, desde finales del siglo XIX, el número de torneos y partidas maestras creció rápidamente. Wilhelm Steinitz, nacido en Praga, fundó una importante tradición: su triunfo sobre el destacado maestro alemán Johannes Zukertort en 1886 es considerado el primer Campeonato Mundial de Ajedrez oficial. Steinitz perdió su corona en 1894 ante un matemático alemán mucho más joven, Emanuel Lasker, quien ostentó el título durante 27 años, la permanencia más larga de cualquier Campeón del Mundo. Se necesitó un gran prodigio de Cuba, José Raúl Capablanca (Campeón del Mundo 1921-1927), para acabar con el dominio de habla alemana en el ajedrez; estuvo invicto en torneos durante ocho años hasta 1924. Su sucesor fue el ruso-francés Alexander Alekhine, un fuerte jugador de ataque, que murió como Campeón del Mundo en 1946, después de haber perdido brevemente el título ante el jugador holandés Max Euwe en 1935 y recuperándolo dos años después.

Período de posguerra
Después de la muerte de Alekhine, se buscó un nuevo campeón mundial en un torneo de jugadores de élite. Esto fue gestionado por la FIDE, que desde entonces ha controlado el título. El ganador del torneo de 1948, el ruso Mikhail Botvinnik, inició una era de dominio soviético en el mundo del ajedrez. Hasta el final de la Unión Soviética, solo había un campeón no soviético, el estadounidense Bobby Fisher (campeón 1972-1975). Grandes jugadores, como Anatoly Karpov y Gary Kasparov, han ostentado el título. El actual campeón mundial es Magnus Carlsen de Noruega y la campeona mundial femenina Ju Wenjun de China. 

En 1927, se estableció el Campeonato Mundial de Ajedrez Femenino; la primera campeona fue la maestra checo-inglesa Vera Menchik.
El  ajedrez es posiblemente uno de los deportes mentales más antiguos y populares del mundo. Es una parte establecida de nuestra cultura moderna y se percibe como deseable aprender a jugar al ajedrez y mostrar niveles de dominio y mejora de habilidades. El impacto de la tecnología de la información en el ajedrez debe reconocerse como muy positivo, con la consiguiente mayor proliferación de información ajedrecística, conciencia y oportunidades de juego a nivel mundial.

Futuro
El ajedrez es sin duda un deporte para todos y a través de programas de entrenamiento nacionales e internacionales, para todos los niveles, seguiremos viendo a más jugadores participando y al mismo tiempo esto traerá beneficios tanto a nivel profesional como amateur. El ajedrez se enseña a niños en escuelas de todo el mundo y se utiliza en ejércitos para entrenar la mente de cadetes y oficiales. Muchas escuelas tienen clubes de ajedrez y hay muchos torneos escolares específicamente para niños.

Los tres árboles

Había una vez tres árboles en una colina de un bosque. Hablaban acerca de sus sueños y planes de futuro. – «Algún día seré cofre de tesoros. Estaré lleno de oro, plata y piedras preciosas. Todos verán mi belleza». – dijo el primer árbol. El segundo árbol dijo: «Algún día seré un gran barco donde viajen los más grandes reyes y reinas a través de los océanos. Todos se sentirán seguros por mi fortaleza y mi poderoso casco». Finalmente, el tercer árbol dijo: «Yo quiero crecer para ser el más alto de todos los árboles en el bosque. Así estaré cerca de Dios. Seré el árbol más grande de todos los tiempos y la gente siempre me recordará». Durante años, los tres árboles oraban a Dios para que sus sueños se convirtieran en realidad. Un día, un leñador los taló y se los vendió a unos carpinteros. Con el primer árbol hicieron un cajón de comida para animales, y fue puesto en un pesebre y llenado con paja. Se sintió muy mal pues eso no era lo que él había pedido tanto. El segundo árbol fue cortado y convertido en una pequeña barquita de pesca, y fue puesto en un lago. Sus sueños de ser una gran embarcación habían llegado a su fin. El tercer árbol fue cortado en largas y pesadas tablas y lo abandonaron en la oscuridad de un almacén. Al verse así, los tres árboles sintieron que sus planes habían fracasado. Sin embargo, una noche, José y María llegaron al establo y pusieron al Niño Jesús en el pesebre. Entonces el primer árbol descubrió que había contenido el mayor tesoro de la humanidad. Años más tarde, Jesús y algunos discípulos subieron a la pequeña barca para cruzar el lago de Galilea. Durante la travesía, una gran tormenta se desató y el árbol pensó que no sería lo suficientemente fuerte para salvarlos. Pero Jesús se levantó y calmó la tempestad. Y el segundo árbol descubrió que llevaba al Rey de todos los reyes y Señor de señores. Finalmente, alguien cogió dos de las tablas que estaban en el almacén y sobre ellas crucificaron a Jesús. Cuando llegó el domingo, Jesús resucitó y el tercer árbol sintió que había estado más cerca de Dios de lo que nunca pudo imaginar. La moraleja de esta Historia es: Cuando parece que las cosas no van de acuerdo a tus planes, debes saber que siempre Dios tiene el mejor plan para ti. Cada árbol consiguió lo que había soñado, aunque no de la forma que habían planeado.

Abre la ventana de tu corazón

Abre la ventana de tu corazón, y deja airearse el alma. 

 

VENTANAS DE LA VIDA

Libérate  del residuo amargo del dolor  y del rencor,  haz limpieza en  los cristales de la ventana del corazón, verás   mejor la vida.

Deja la luz inundar todo, borrar las marcas de las decepciones, las tristezas del fracaso, el vicio de sufrir por sufrir, y permite que el sol derrita el hielo de la soledad.

Enamórate de una sonrisa y sonríe también... ilumina las ventanas de los ojos, ama a la persona que el espejo refleja todas las mañanas.

Abre las ventanas de los antojos y derrocha sueños , nadie sueña vanamente ... y no es verdad que los sueños huyen

Construye, día a día, escalones para que puedas llegar hasta tu meta después aplaudirás porque lo  conseguiste. 

No permitas que ninguna sombra borre el sol, que ninguna pared aprisione el viento y calle el sonido de la vida.

Diseña un horizonte más allá de tu ventana. Haz florecer todos los campos que tu vista alcanza, después ve más allá.                                                              

Expón en la ventana la alegría de vivir, muestra al mundo un rostro luminoso, una faz sin arrugas de preocupaciones, lista para ser acariciada, admirada y besada.

Siembra ternura, un  gesto, una frase dulce o un suspiro, alguno escuchará y devolverá el eco de tu voz.

Desvía  tu mirada de las cosas tristes e infelices, transforma en oasis toda la aridez que aparece a través de tu ventana.

Esparce el polvo dorado de tus sueños más allá de la ventana, planta flores, permite que las semillas de la felicidad  se depositen y contaminen toda la tierra.

Rehace tus creencias, redime equívocos y  culpas, regenera errores y  fallos, distribuye el perdón.                     Valora siempre  lo mejor de cada persona y lo mejor que hay en ti...

Abre la ventana de la vida y que se llene de cada cosa,  aunque parezca  pequeña.                                                Vive la forma adulta de ser niño. Abre  la ventana  y no mires  pasar la  vida, VIVELA.

 

  

14 de noviembre - Día Mundial de la Diabetes

NOVIEMBRE MES DE LA DIABETES

Iniciamos noviembre mes en que celebramos el Día Mundial de la Diabetes en homenaje al aniversario de Frederick Banting, quien junto a Charles Best, descubren la insulina en octubre de 1921.

A cien años de este hito que cambió la historia de la medicina y posibilitó la vida de las personas con diabetes, seguimos celebrando día a día los maravillosos avances tecnológicos aplicados al tratamiento de la diabetes.

Desde LAPDI (Liga Argentina de Protección al Diabético) promovemos y luchamos para que todas las personas  con diabetes tengan igualdad de  derecho a la educación, a la vida y la salud. 
En el centenario del descubrimiento de la insulina reivindicamos y nos hacemos eco de  las palabras del Dr. Ramón Carrillo:
“De nada sirven las conquistas de la técnica médica, si esta no puede llegar al pueblo”.

Lic. María Clara Miraldi                                                             

VIDEO ÁLBUM Lapislázuli-"El misterio es una pelusa en el ombligo"

¡Muy buenas tardes!

Para comenzar ésta semana, les traemos el álvum completo de Lapislázuli, "El misterio es una pelusa en el ombligo".
Lanzado en el año 2020 por su compositor y vocalista Eduardo Elli, este video-álbum de música indie nos propone un viaje interno de una hora, en el que nos transportaremos hacia nuestros pensamientos y emociones y nos conectaremos con ellas.

    https://www.youtube.com/watch?v=9XQZybSNP7Q

Donald y César Banana Pueyrredón

El milagro de tus ojos 
https://youtu.be/o9du98L1sDE 

Receta de Helado de Dulce de Leche

El de dulce de leche es el gusto de helado favorito de la mayoría de los argentinos. La receta para hacerlo casero es muy sencilla y no lleva mucho tiempo.

Esta es la receta básica del helado de dulce de leche, al que se le pueden agregar trocitos de chocolate para hacerlo granizado o pedazos de brownies o galletitas para transformarlo en helado de super dulce de leche.

Ingredientes

400 g de dulce de leche repostero

400 cc de crema de leche

100 cc de leche

Preparación

Paso 1

Mezclar el dulce de leche con la leche, para aligerarlo.

Paso 2

Batir la crema hasta que comience a formar picos firmes; añadirla a la preparación del paso anterior, mezclando con movimientos envolventes.

Paso 3

Colocar en un recipiente y llevar al freezer hasta congelar.

Biografía de Pablo Neruda

Seudónimo de Neftalí Ricardo Reyes Basoalto; Nacido el 12 de julio de 1904 en Parral, en la región chilena de Maule, la madre del poeta murió sólo un mes más tarde de que naciera él, momento en que su padre, un empleado ferroviario, se instaló en Temuco, donde el joven Pablo Neruda cursó sus primeros estudios y conoció a Gabriela Mistral. Comenzó muy pronto a escribir poesía, y en 1921 publicó La canción de la fiesta, su primer poema, con el seudónimo de Pablo Neruda (en homenaje al poeta checo Jan Neruda), nombre que mantuvo a partir de entonces y que legalizaría en 1946. También en Temuco comenzó a trabajar en un periódico, hasta que a los dieciséis años se trasladó a Santiago para cursar estudios de profesor de francés. Allí se incorporó como redactor a la revista Claridad, en la que aparecieron poemas suyos. Tras publicar algunos libros de poesía, en 1924 alcanzó fama internacional con Veinte poemas de amor y una canción desesperada, obra que, junto con Tentativa del hombre infinito, distingue la primera etapa de su producción poética, señalada por la transición del modernismo a formas vanguardistas influidas por el creacionismo de Vicente Huidobro. Los problemas económicos indujeron a Pablo Neruda a emprender, en 1926, la carrera consular que lo llevó a residir en Birmania, Ceilán, Java, Singapur y, entre 1934 y 1938, en España, donde se relacionó con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Gerardo Diego, Miguel Hernández y otros componentes de la llamada Generación del 27, y fundó la revista Caballo Verde para la Poesía. Desde su primer manifiesto tomó partido por una «poesía sin pureza» y próxima a la realidad inmediata, en consonancia con su toma de conciencia social. En tal sentido, Neruda apoyó a los republicanos al estallar la Guerra Civil española (preludio de la Segunda Guerra Mundial) y escribió España en el corazón (1937). Previamente, sin embargo, sus poemas habían experimentado una transición hacia formas herméticas y hacia un tono más sombrío al reflejar el paso del tiempo, el caos y la muerte en la realidad cotidiana, temas dominantes en otro de sus libros imprescindibles, Residencia en la tierra, publicado en dos partes en 1933 y 1935 y que constituye el eje de su segunda etapa. Imágenes originalísimas y audaces de raigambre surrealista expresan en esta obra una visión profundamente desolada del ser humano, extraviado en un mundo caótico e incomprensible. De regreso en Chile, en 1939 Neruda ingresó en el Partido Comunista y su obra experimentó un giro hacia la militancia política. Esta tercera etapa, que tuvo su preludio en España en el corazón (1937), culminaría con la exaltación de los mitos americanos de su Canto general (1950). En 1945 fue el primer poeta en ser galardonado con el Premio Nacional de Literatura de Chile. Al mismo tiempo, desde su escaño de senador, Pablo Neruda utilizó su oratoria para denunciar los abusos y las desigualdades del sistema. Tal actitud provocó la persecución gubernamental y su posterior exilio en Argentina. De allí pasó a México, y más tarde viajó por la URSS, China y los países de la Europa del Este. Tras este viaje, durante el cual Neruda escribió poemas laudatorios y propagandísticos y recibió el Premio Lenin de la Paz, volvió a Chile. A partir de entonces, la poesía de Pablo Neruda inició una nueva etapa en la que la simplicidad formal se correspondió con una gran intensidad lírica y un tono general de serenidad; el mismo título de una obra central de este periodo, Odas elementales (1954-1957), caracteriza los versos de aquellos años. En 1956 se separó de su segunda esposa, Delia del Carril, para unirse a Matilde Urrutia, que acompañaría al poeta hasta el final de sus días. Su prestigio internacional fue reconocido en 1971, año en que se le concedió el premio Nobel de Literatura. El año anterior Pablo Neruda había renunciado a la candidatura presidencial en favor de Salvador Allende, quien lo nombró poco después embajador en París. Dos años más tarde, ya gravemente enfermo, regresó a Chile. Falleció en Santiago el 23 de septiembre de 1973, profundamente afectado por el golpe de estado del general Augusto Pinochet, que doce días antes había derrocado a Salvador Allende. De publicación póstuma es la autobiografía Confieso que he vivido.

Biografía de Sandro

Sandro fue un cantautor argentino de canción melódica, rock and roll y pop en castellano. Su verdadero nombre es Roberto Sánchez, nació el 19 de agosto de 1945. Al comenzar la escuela secundaria en 1958, lo expulsan durante primer año. Fue empleado metalúrgico, aprendiz de joyero y vendedor de damajuanas de vino con su padre. En 1960 forma su primer grupo llamado Trío Azul; luego uno de los integrantes abandona el grupo y éste se convierte en el dúo Los Caribes -disuelto al poco tiempo- por lo cual Sandro comienza su carrera solista. En esa época da origen a la banda Los Caniches de Oklahoma, integrada por Héctor Centurión, Lito Vásquez, Armando Quiroga y Sandro, quien oficiaba como guitarrista y segunda voz. Más tarde se transforman en Los De Fuego. En agosto de 1963 graba su primer single titulado “¿A Esto Llamas Amor?” y un foxtrot: “Eres Un Demonio Disfrazado”. Luego registró “Choza De Azúcar” y “Dulce”. En 1964 debuta con Los De Fuego en el disco “Presentando A Sandro”, con las canciones: “Hay Mucha Agitación” y “Las Noches Largas”. A lo largo de su carrera, Sandro editó más de 25 discos, entre ellos: “Sandro y Los De Fuego” (1965), “Alma y Fuego” (1966), "El Sorprendente Mundo de Sandro" (1966), "Beat Latino" (1967),  “Una Muchacha y Una Guitarra” (1968), "Quiero Llenarme de Ti" (1968) , "Sandro" (1969), "Sandro de América" (1969), "La Magia de Sandro" ( 1969), "Muchacho"  (1970),  "Sandro en New York" (1970), "Sandro Espectacular" (1971), "Te Espero ... Sandro" (1972),  "Después de 10 Años” (1973), "Sandro Siempre Sandro" (1974), "Tu Me Enloqueces", (1975),  "Sandro Live En Puerto Rico" (1975),  "Sandro" (1976), "Sandro, un ídolo"  (1977), “Querer Como Dios Manda” (1978), "Sandro"  (1978), "Sandro" (1979), "Sandro" (1981), “Fue Sin Querer” (1982), "Vengo A Ocupar Mi Lugar" (1984), "Sandro" (1986),  "Sandro 88" (1988), "Volviendo a Casa" (1990), "Con Gusto a Mujer" (1992),  “Clásico” (1994). En 1996 edita "Historia Viva".  En 1997 la compañía Sony edita "Presentando A Sandro", disco recopilatorio de los vinilos simpes de los años 1963 y 1964. En 1998 lanza “Mis 30 Mejores Canciones Cd I”  y “Mis 30 Mejores Canciones Cd II”. En 2001 lanza "Para Mamá". En el 2002 sale a la venta "Para Mamá Vol 2". A partir del año 2001 Sandro empieza a sufrir graves problemas físicos que lo llevan a suspender algunas presentaciones y a permanecer internado por cortos períodos. Esto no hace que el cantautor se aleje de la música; a pesar de todo continúa cantando. En el 2003 edita el disco "Recién Ayer (Mi Vida, Mi Música)". En 2004 presenta “Amor Gitano” y continúa con el indiscutible éxito que le valió el nombre de "Sandro de América". En 2005 lanza el disco "En Vivo". En 2006 "Secretamente Palabras De Amor (Para Escuchar En Penumbras)". En el 2007 sale en CD y DVD "Lo Mejor". Tras estar 45 días internado en Mendoza por un doble trasplante de pulmón y corazón y luego de recibir distintas operaciones, el lunes 4 de enero de 2010  fallece, a los 64 años. Esta triste noticia es dada a conocer por Claudio Burgos, uno de sus médicos, quien alrededor de las 20.40hs anuncia que el artista fallece a causa de un shock séptico. El martes siguiente una multitud despide al astro argentino en el Congreso Nacional, donde velaron sus restos. El 19 de agosto de 2020, el ídolo, el Gitano, ese torbellino que dejaba sin aliento a las mujeres, hubiera cumplido 75 años.  Como regalo se publica  “No Te Vayas Todavía”, una canción escrita, música y letra, por Sandro, que por algún motivo nunca llegó a grabar para incluir en alguno de sus discos. En agosto de 2021 sale a la luz " Tengo una historia así", un disco que contiene 10 grabaciones de sus canciones nunca antes publicadas hasta la fecha.

Receta de Frapuccino, ¡Muy fácil y liviano!

¡Buenas tardes a todos y a todas!

Se vienen unos días de calor muy intenso y dan ganas de preparar cosas frescas, ¿Verdad? Si ese es el caso, te invitamos a leer y preparar la siguiente receta para una infusión a base de pocos ingredientes, sin azúcar refinada y saciante.
¿De qué se trata? ¡De un Frapuccino, claro!

Antes de comenzar, cabe aclarar la importancia de revisar los ingredientes con los que está fabricado el café instantáneo que usaremos en nuestra preparación, en pos de evitar azúcares ocultos que suelen venir en dicho producto.

Ahora sí, ¡Comencemos por los ingredientes!
- 2 (Dos) cucharaditas de café instantáneo sin azúcar.
- 1 (Uno) sobrecito de edulcorante en polvo.
- Hielo
- 3/4 de vaso de leche descremada o vegetal.

¿Cuál es el procedimiento?
¡Sencillo! Sólo se deben colocar todos los ingredientes en el orden que los fuiste leyendo en una licuadora y procesar todo durante unos cinco minutos, ¡Nada más!

Eso sí, te daremos unas recomendaciones sobre el hielo que lleva esta bebida:
-Podés licuarlo  con los demás ingredientes si tu licuadora o procesadora tiene la capacidad de resistir el hielo.
- En el caso de no contar con una licuadora de ssemejante capacidad, simplemente podés agregar el hielo después de batir todo.
- Si no te convence usar hielo común, podés llenar cubeteras con leche descremada o vegetal y llevarla al congelador o freezer que tengas, de ésta manera, la infusión quedará igual de fresca y sin aguarse.

¡Que disfrutes tu frapuccino!

RECETA: Lic. Belén Abaca, en Instagram como @nutritips.ba
Las recomendaciones sobre el hielo pertenecen a la autora de éste post, abstenerse a hacer comentarios sobre su gran conocimiento culinario.     

Charly García

Charly García

(Carlos Alberto García Moreno; Buenos Aires, 23 de octubre de 1951) Músico argentino, uno de los más reconocidos intérpretes y compositores de rock y de rock progresivo de su país. A la temprana edad de cuatro años ya tocaba el piano y a los doce recibió el diploma de concertista de música clásica, lo que da cuenta de su extraordinario talento para la música.

 

Charly García

 

Con catorce años formó su primer grupo, To Walk Spanish, en donde interpretaba versiones de The Beatles y The Rolling Stones; más tarde formó Sui Generis, junto a Nito Mestre y Carlos Piegari. Con este grupo editó su primer disco, Vida, que salió a la venta en 1972. Tras éste vinieron Confesiones de invierno (1973) e Instituciones (1974). Pero en 1975 el grupo se disolvió.

 

Poco después formó PorSuiGieco, grupo de efímera vida que no llegó a editar ningún disco. Y más tarde, en ese mismo año de 1975, lo intentó con otra nueva banda, La máquina de hacer pájaros, grupo que lanzó al mercado dos discos: La máquina de hacer pájaros y Películas, en los años 1976 y 1977, respectivamente.

 

En 1978 Charly formó otra banda, Serú Girán; aunque no obtuvo con ella gran popularidad, grabó cinco discos hasta el año 1982, año en que este grupo dejó de existir y nuestro protagonista volvió a montar otra formación, esta vez con Andrés Calamaro a los teclados. Con esta nueva banda obtuvo por fin el reconocimiento popular, sobre todo a raíz de la edición de Yendo de la cama al living. Era el tiempo de la Guerra de Las Malvinas, y las nuevas canciones se presentaron en el estadio de Ferrocarril Oeste ante veinticinco mil personas.

 

Un año más tarde, Charly García volvió a cambiar el personal de la banda que le acompañaba; Calamaro, concretamente, fue sustituido por Fito Páez en los teclados. El primer fruto de esta nueva formación fue Clics modernos, al que siguió Piano Bar en 1984.

 

 

En 1986 comenzó una segunda etapa de la carrera musical de García. Grabó su siguiente álbum, Tango, con un antiguo compañero de Serú Girán, Pedro Aznar. Más tarde, se decidió a grabar definitivamente en solitario, y fruto de este trabajo fue el elepé Parte de la religión, que vio la luz en 1987, y en el que las colaboraciones de otros músicos brillaban por su ausencia. Tras éste, se editó una recopilación de canciones (Cómo conseguir chicas) que no habían salido a la luz en el momento en que habían sido creadas.

 

En 1991, de nuevo con Pedro Aznar, grabó Tango 4, y un año más tarde volvieron a reunirse los integrantes de Serú Girán, reencuentro del que nació Serú Girán ´92. En 1994 compuso una ópera-rock llamada La hija de la lágrima. Un año más tarde volvió a la carga con Estaba en llamas cuando me acosté y, en ese mismo año, grabó un unplugged para la MTV. Este disco marcó el fin de otra etapa en la vida del prolífico músico argentino.

 

En 1996 editó Say no more, que fue lanzado al mercado desde su propio sello discográfico, también llamado Say no more. El siguiente lanzamiento de la compañía discográfica de García fue un     proyecto llamado Constant Concept, en el cual Mercedes Sosa interpretaba canciones del propio Charly García. En 2004 recibió el premio Latino de Honor de la Academia de la Música argentina.

  

Biografía de Julio Cortázar

Julio Cortázar

(Bruselas, 1914 - París, 1984) Escritor argentino, una de las grandes figuras del llamado «boom» de la literatura hispanoamericana, fenómeno editorial que, en la década de 1960, dio merecida proyección internacional a los narradores del continente.

 

Emparentado con Borges como inteligentísimo cultivador del cuento fantástico, los relatos breves de Cortázar se apartaron sin embargo de la alegoría metafísica para indagar en las facetas inquietantes y enigmáticas de lo cotidiano, en una búsqueda de la autenticidad y del sentido profundo de lo real que halló siempre lejos del encorsetamiento de las creencias, patrones y rutinas establecidas. Su afán renovador se manifiesta sobre todo en el estilo y en la subversión de los géneros que se verifica en muchos de sus libros, de entre los cuales la novela Rayuela (1963), con sus dos posibles órdenes de lectura, sobresale como su obra maestra.

 

Biografía

Hijo de un funcionario asignado a la embajada argentina en Bélgica, su nacimiento coincidió con el inicio de la Primera Guerra Mundial, por lo que sus padres permanecieron más de lo previsto en Europa. En 1918, a los cuatro años de edad, Julio Cortázar se desplazó con ellos a Argentina, para radicarse en el suburbio bonaerense de Banfield.

Tras completar sus estudios primarios, siguió los de magisterio y letras y durante cinco años fue maestro rural. Pasó más tarde a Buenos Aires, y en 1951 viajó a París con una beca. Concluida ésta, su trabajo como traductor de la UNESCO le permitió afincarse definitivamente en la capital francesa. Por entonces Julio Cortázar ya había publicado en Buenos Aires el poemario Presencia con el seudónimo de «Julio Denis», el poema dramático Los reyes y la primera de sus series de relatos breves, Bestiario, en la que se advierte la profunda influencia de Jorge Luis Borges.

En la década de 1960, Julio Cortázar se convirtió en una de las principales figuras del llamado «boom» de la literatura hispanoamericana y disfrutó del reconocimiento internacional. Su nombre se colocó al mismo nivel que el de los grandes protagonistas del «boom»: Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, los mexicanos Juan Rulfo y Carlos Fuentes, los uruguayos Juan Carlos Onetti y Mario Benedetti o sus compatriotas Jorge Luis Borges y Ernesto Sábato, entre otros. A diferencia de Borges, Cortázar sumó a su sensibilidad artística su preocupación social: se identificó con las clases marginadas y estuvo muy cerca de los movimientos de izquierdas.

En este sentido, su viaje a la Cuba de Fidel Castro en 1962 constituyó una experiencia decisiva en su vida y el detonante de un radical cambio de actitud que influiría profundamente en su vida y en su obra: el intelectual introvertido que había sido hasta entonces devendrá activista político. Merced a su concienciación social y política, en 1970 se desplazó a Chile para asistir a la ceremonia de toma de posesión como presidente de Salvador Allende y, más tarde, a Nicaragua para apoyar al movimiento sandinista. Como personaje público, Julio Cortázar intervino con firmeza en la defensa de los derechos humanos, y fue uno de los promotores y miembros más activos del Tribunal Russell.

Como parte de este compromiso escribió numerosos artículos y libros, entre ellos Dossier Chile: el libro negro, sobre los excesos del régimen del general Pinochet, y Nicaragua, tan violentamente dulce, testimonio de la lucha sandinista contra la dictadura de Anastasio Somoza, en el que incluyó el cuento Apocalipsis en Solentiname y el poema Noticias para viajeros. Tres años antes de morir adoptó la nacionalidad francesa, aunque sin renunciar a la argentina. Falleció en París el 12 de febrero de 1984, poco después de enviudar de su segunda mujer, Carol Dunlop.

 

La obra de Julio Cortázar

La literatura de Cortázar parte de un cuestionamiento vital, cercano a los planteamientos existencialistas en la medida en que puede caracterizarse como una búsqueda de la autenticidad, del sentido profundo de la vida y del mundo. Tal temática se expresó en ocasiones en obras de marcado carácter experimental, que lo convierten en uno de los mayores innovadores de la lengua y la narrativa en lengua castellana.

Como en Jorge Luis Borges, sus relatos ahondan en lo fantástico, aunque sin abandonar por ello el referente de la realidad cotidiana: de hecho, la aparición de lo fantástico en la vida cotidiana muestra precisamente la abismal complejidad de lo "real". Para Cortázar, la realidad inmediata significa una vía de acceso a otros registros de lo real, donde la plenitud de la vida alcanza múltiples formulaciones. De ahí que su narrativa constituya un permanente cuestionamiento de la razón y de los esquemas convencionales de pensamiento.

 

En la obra de Cortázar, el instinto, el azar, el goce de los sentidos, el humor y el juego terminan por identificarse con la escritura, que es a su vez la formulación del existir en el mundo. Las rupturas de los órdenes cronológico y espacial sacan al lector de su punto de vista convencional, proponiéndole diferentes posibilidades de participación, de modo que el acto de la lectura es llamado a completar el universo narrativo. Tales propuestas alcanzaron sus más acabadas expresiones en las novelas, especialmente en Rayuela, considerada una de las obras fundamentales de la literatura de lengua castellana, y en sus relatos breves, donde, pese a su originalísimo estilo y su dominio inigualable del ritmo narrativo, se mantuvo más cercano a la convenciones del género. Cabe destacar, entre otros muchos cuentos, Casa tomada o Las babas del diablo, ambos llevados al cine, y El perseguidor, cuyo protagonista evoca la figura del saxofonista negro Charlie Parker.

Aunque su primer libro fueron los poemas de Presencia (1938, firmados con el seudónimo de «Julio Denis»), seguidos por Los reyes, una reconstrucción igualmente poética del mito del Minotauro, esta etapa se considera en general la prehistoria cortazariana, y suelen darse como inicio de su bibliografía los relatos que integraron Bestiario (1951), publicados en la misma fecha en la que inició su exilio. A esta tardía iniciación (se acercaba por entonces a los cuarenta años) suele atribuirse la perfección de su obra, que desde esa entrega no contendrá un solo texto que pueda considerarse menor.

Cabe señalar, además, una singularidad inaugurada en simultáneo con esa entrega: las sucesivas recopilaciones de relatos de Cortázar conservarían esa especie de perfección estructural casi clasicista, dentro de los cánones del género. El resto de su producción (novelas extraordinariamente rupturistas y textos misceláneos) se aleja hasta tal punto de las convenciones genéricas que es difícilmente clasificable. De hecho, buena parte de la crítica aprecia más su faceta de cuentista impecable que la de prosista subversivo.

 

Los cuentos

En el ámbito del cuento, Julio Cortázar es un exquisito cultivador del género fantástico, con una singular capacidad para fusionar en sus relatos los mundos de la imaginación y de lo cotidiano, obteniendo como resultado un producto altamente inquietante. Ilustración de ello es, en Bestiario (1951), un cuento como "Casa tomada", en el que una pareja de hermanos percibe cómo, diariamente, su amplio caserón va siendo ocupado por presencias extrañas e indefinibles que terminan provocando, primero, su confinamiento dentro de la propia casa, y, más tarde, su expulsión definitiva.

Lo mismo podría decirse a propósito de Las armas secretas (1959), entre cuyos cuentos destaca "El perseguidor", que tiene por protagonista a un crítico de jazz que ha escrito un libro sobre un célebre saxofonista borracho y drogadicto. Cuando se dispone a preparar la segunda edición del mismo, Jonnhy, el saxofonista, quiere exponerle sus opiniones acerca de su propia música y el libro, pero, en realidad, no le cuenta nada; no parece que tenga nada profundo que decir, como tampoco lo tiene el autor del libro, por lo que, muerto Jonnhy, la segunda edición únicamente se diferencia de la primera por el añadido de una necrológica.

 En los cuentos de Final del juego (1964), encontramos algunas de las descripciones más crueles de Cortázar, como por ejemplo "Las ménades", una auténtica pesadilla; pero también hay sátiras, como ocurre en "La banda", en el que su protagonista, cansado del sistema imperante en su país (clara alusión al peronismo), se destierra voluntariamente, como Cortázar hizo a París en 1951. En "Axolotl", tras contemplar diaria y obsesivamente un ejemplar de estos anfibios en un acuario, el narrador del cuento se ve convertido en uno más de ellos, recuperando de tal manera el tema del viejo mito azteca.

De Todos los fuegos el fuego (1966), compuesto por otros ocho relatos, hay que destacar "La autopista del Sur", historia de un amor nacido durante un embotellamiento, cuyos protagonistas, que no se han dicho sus nombres, son arrastrados por la riada de vehículos cuando el atasco se deshace y no vuelven ya nunca a encontrarse. Impresionante es asimismo el cuento que da título a la colección, en el que se mezclan admirablemente una historia actual con otra ocurrida cientos de años atrás.

En los también ocho cuentos de Octaedro (1974), lo fantástico vuelve a mezclarse con la vida de los hombres, casi siempre en el momento más inesperado de su existencia. Más cercanas a lo cotidiano y abiertas a la normalidad son sus tres últimas colecciones de relatos, Alguien que anda por ahí (1977), Queremos tanto a Glenda y otros relatos (1980) y Deshoras (1982), sin que por ello dejen de estar presentes los temas y motivos que caracterizan su producción.

Rayuela y la narrativa inclasificable

Pero es precisamente lejos del relato corto donde reside la huella revolucionaria e irrepetible que Julio Cortázar dejó en la literatura en lengua española, desde su novela inicial (Los premios, 1960) hasta la amorosa despedida textual de Nicaragua, tan violentamente dulce (1984). El momento álgido de esta propuesta innovadora que aniquilaba las convenciones genéricas fue la escritura de Rayuela (1963).

Protagonizada por un álter ego de Cortázar, Horacio Oliveira, Rayuela narra el itinerario de un intelectual argentino en París (primera parte) y luego en Argentina (segunda parte), para agregar, en la tercera parte y al modo de misceláneas, una serie de anotaciones, recortes periodísticos, poemas y citas que pueden intercalarse en la lectura de las dos primeras, según el recorrido que decida el lector, a partir de los dos que propone el autor.

Las desavenencias amorosas entre La Maga y Horacio Oliveira, los conflictos intelectuales de Horacio, una amplia red de referencias culturales, con el jazz en posición preferente, y la invitación a la participación del lector como coautor de esa obra abierta, encontraron en el clima de efervescencia cultural de la década de 1960 su perfecto campo de desarrollo. Rayuela ha quedado así como uno de los emblemas imprescindibles de la cultura argentina de ese momento, en el que la novela de Julio Cortázar ocupó un lugar central y fue objeto de toda clase de asedios y comentarios críticos.

Algunas de las sucesivas novelas de Cortazar fueron un intento de avanzar en la dirección de Rayuela: así, la titulada 62. Modelo para armar (1968) es un excelente comentario en paralelo, extraído de una propuesta sugerida en el capítulo 62 de su obra maestra. En el Libro de Manuel (1973), el experimentalismo deja paso a un intento de explicar la difícil convivencia entre el compromiso político y la libertad individual.

Por lo que respecta al género de los "almanaques", esa combinación específicamente cortazariana de todos los géneros en ninguno, es imprescindible referirse a títulos como La vuelta al día en ochenta mundos (1967) o Último round (1969). Tales volúmenes, de difícil clasificación, alternan el cuento con el ensayo, el poema y el fragmento narrativo o crítico. En este apartado merecen mención aparte las inefables Historias de cronopios y de famas (1962), graciosos y complejos personajes simbólicos con singulares actitudes frente a la vida, Un tal Lucas (1979), irónico retrato de un personaje de extraña coherencia, y el casi póstumo Los autonautas de la cosmopista (1983), irrepetible mezcla de diario de viaje y testamento de amor.

Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cortazar.htm el 26 de agosto de 2021.

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Julio Cortázar.
En Biografías y Vidas.     La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). 

Biografía de Freddie Mercury

Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farrokh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas, su prematuro fallecimiento el 24 de noviembre de 1991, a consecuencia del sida, conmocionó al mundo del espectáculo y a sus millones de seguidores en todo el planeta.

 

Biografía

 

Farrokh era un niño extraordinariamente guapo, tímido y muy apegado a su madre y a su hermana . Sus padres, Jer y Bomi Bulsara, formaban un matrimonio de origen persa devoto del profeta Zoroastro, y                 decidieron enviar al niño a la India para que recibiera una buena educación. Allí quedó al cuidado de sus tíos y fue matriculado en la St. Peter's School, institución de enseñanza británica situada en Panchgani, a unas cincuenta millas de Bombay.

 

Muy interesado por los deportes, el joven Bulsara mostró buenas maneras como boxeador aunque, después de que su madre le animara a colgar los guantes porque resultaba una práctica demasiado violenta, cambió el ring por la mesa de ping pong y a los diez años ya era campeón escolar de la disciplina.

 

Como también en aquellos años de la infancia comenzó a despertar su afición por la música, siguió clases de piano e ingresó en el coro de la escuela. Durante este periodo de formación, el inquieto Farrokh también empezó a demostrar ciertas aptitudes escénicas y participó en varias obras de teatro colegiales.

 

Muy pronto puso en pie su primer grupo musical, The Hectics, una banda amateur de rock and roll que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio. En esta formación, en la que ocupaba el puesto de pianista. Las primeras influencias musicales de Farrokh llegaron de la mística música hindú, de los sonidos clásicos y algo del rock and roll que por entonces se producía en otras partes del planeta. En aquella época, sus amigos del colegio comenzaron a llamarle Freddie, traducción más o menos fiel de Farrokh al inglés, y, de hecho, el propio joven firmaba en ocasiones como Frederick.

 

Regresó a Zanzíbar en 1962 junto a su familia, pero un par de años después, los Bulsara decidieron emigrar al Reino Unido, para huir del estallido de violencia que sufría la isla. Curiosamente, Freddie jamás volvería a su tierra natal, ni tampoco a la India; una nueva etapa de su vida comenzaba entonces en una casa de Feltham (Middlesex), cerca de Londres.

 

Ingresó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se empleaba en trabajos eventuales para ganar un dinero extra. Hacia 1966, Freddie era un alumno de la Ealing Art School que estudiaba para convertirse en diseñador gráfico, aunque su interés por la música no había desaparecido. Abandonó su casa y alquiló un piso en Kensington junto a un compañero. En 1969 dejó la escuela con su diploma en artes gráficas y diseño en el bolsillo y comenzó a compartir piso con Roger, con quien acudía a un puesto del mercadillo de Kensington para vender ropa y pinturas.

 

En el verano de ese mismo año, Freddie empezó a cantar en un grupo de Liverpool llamado Ibex, que se había trasladado a Londres buscando fama y éxito, pero que tuvo una efímera y complicada existencia. El 23 de agosto de 1969, Freddie debutó en público junto al trío formado por Mike Bersin, John Tupp Taylor y Mick Miffer Smith..

 

Después de esta experiencia fallida, Freddie lo intentó en otra banda llamada Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio del Melody Maker en el que buscaban un vocalista. A finales de 1969, Freddie era el vocalista del grupo, en el que también estaban Chris Cheney y Jeremy Rubber Gallop a la guitarra, el bajista Paul Milan y el batería Rob Tyrell. Pero esta prometedora aventura tan sólo duró unos meses porque, en abril de 1970, Smile volvió a cruzarse en su trayectoria. Su viejo amigo Tim Staffell había decidido abandonar la formación y Roger y Brian le pidieron que fuera el vocalista del grupo.

 

Nace Queen

 

Freddie insistió en renombrar a la banda y suya fue la idea de bautizarla como Queen. Al mismo tiempo, cambió su apellido artístico y se convirtió desde ese momento en Freddie Mercury. Tras las innovaciones, el trío probó con varios bajistas hasta que en 1971 se incorporó a la formación un personaje tranquilo y sosegado, John Deacon.

 

El logotipo, otra de las señas de identidad de Queen, fue también una creación del vocalista, que dejó patentes sus dotes como imaginativo diseñador. La imagen presentaba los cuatro signos del zodíaco de los miembros de la banda (dos leones por Roger y John, los dos leos del grupo, el cangrejo por el signo cáncer de Brian May y las ninfas que identificaban el signo virgo de Freddie) alrededor de una gigantesca Q y, sobre todo ello, el ave fénix, que saludaba el nacimiento del grupo de las cenizas de otras formaciones. También desde el primer momento fue Freddie el impulsor de la imagen visual de la formación, con su personalísima puesta en escena y su inconfundible vestuario. El resto pertenece a la historia de Queen.

 

Un hecho importante en la vida privada de Mercury tuvo lugar en 1970; fue entonces cuando conoció a Mary Austin, con quien convivió durante siete años y con quien conservaría una buena amistad hasta el momento de su muerte. Curiosamente, antes de que Queen editara su primer disco, Freddie lanzó en solitario un tema llamado I can hear music, bajo el nombre de Larry Lurex.

 

Casi una década después, cuando ya había paladeado las mieles del éxito con Queen, Mercury hizo realidad otro de sus sueños. Siempre había sido un apasionado de la danza y el 7 de octubre de 1979 actuó con el Royal Ballet, para interpretar y bailar Bohemian Rhapsody y Crazy little thing called love.

 

La vida de excesos derivada de la fama y el éxito fue una leyenda que acompañó inevitablemente a Freddie Mercury. Sus fiestas fueron siempre sonadas, pero también se reconoció al músico por ser un gran amigo de sus amigos. Hacia finales de los setenta rompió su relación sentimental con Mary Austin y comenzaron a surgir rumores sobre su cambio de orientación sexual. Los comentarios arreciaban apoyados por el cambio radical de imagen que mostró el músico hacia 1980. Cortó al mínimo su larga cabellera y se dejó crecer un gran bigote, imitando la estética gay muy de moda en los bares de San Francisco y que fielmente habían reflejado los famosos Village People.

 

A finales de 1982, Queen hizo un paréntesis en su carrera y dio libertad a los miembros de la banda para que pusieran en marcha sus respectivos proyectos paralelos. Mercury alquiló los estudios Musicland de Munich y, junto al productor Mack, entró en ellos para grabar su primer álbum en solitario. Durante este período conoció también a toda una leyenda en el mundo de la producción musical, el gran Giorgio Moroder, padre del "electro disco".

 

En aquellos días, Moroder trabajaba en la banda sonora de la versión restaurada de Metrópolis, película mítica dirigida por Fritz Lang, y le pidió a Freddie que colaborara en un tema; el resultado fue Love kills, compuesta por ambos e interpretada por Mercury. El single, el primero firmado en solitario como Freddie Mercury, salió al mercado el 10 de septiembre de 1984, logró un éxito importante y le sirvió como trampolín para su siguiente trabajo.

 

Pocos meses antes del lanzamiento del single se había producido otro encuentro casual en la vida de Mercury que derivaría, en el futuro, en una sorprendente colaboración musical. En el mes de mayo de 1983 asistió al Royal Opera House de Londres para ver una representación de Un ballo di maschera, del compositor italiano Giuseppe Verdi, y cuentan que quedó cautivado por la belleza de la voz de la diva catalana Monserrat Caballé.

 

El 9 de abril de 1985 llegó a las tiendas el adelanto de su primer disco de larga duración, el sencillo I was born to love you, y, tres semanas más tarde, se presentó el álbum Mr. Bad Guy, ambos editados por CBS Records. Los resultados comerciales fueron excelentes y el 13 de julio de ese mismo año los muchos seguidores de Mercury pudieron contemplar su memorable actuación durante el concierto Live Aid en el estadio de Wembley.

 

A comienzos de 1987, Freddie entró en los estudios Townhouse de Londres para grabar algunas canciones. De esas sesiones nació el remake de The great pretender, un gran tema que The Platters había popularizado años atrás. A la venta desde el 23 de febrero de ese año, el trabajo se anotó un nuevo éxito en la ya larga lista del triunfante músico.

 

Un mes después, Mercury voló a Barcelona para conocer personalmente a aquella diva del bel canto que le cautivó años atrás. Monserrat Caballé recibió con agrado una casete con algunos temas del polifacético Mercury e incluso llegó a interpretar uno de ellos en el Covent Garden londinense. Un mes más tarde comenzaron a trabajar en la edición de su disco conjunto, y a finales de mayo ambos cantaron en directo el tema Barcelona en la discoteca Ku de Ibiza. El 8 de octubre de 1988 repitieron actuación en el festival La Nit de la Ciudad Condal, excelente presentación para el álbum Barcelona que se editó dos días después.

 

El triste final

 

Aquélla fue la última actuación en directo de Freddie Mercury. Aun sin anunciar la enfermedad, el deterioro de su estado físico era cada vez más evidente y Mercury se recluyó en su casa de Kensington, espaciando cada vez más sus apariciones. Ocultó su tragedia incluso a sus propios compañeros de grupo y tan sólo un día antes de su muerte anunció públicamente que padecía el sida desde 1986.

 

Murió en su cama a las siete de una fría tarde del día 24 de noviembre de 1991 como consecuencia de una neumonía que no pudo superar. Con tan sólo cuarenta y cinco años, el gran Freddie Mercury dijo adiós a la vida que tan intensamente había disfrutado y fue enterrado en una ceremonia íntima, conforme al rito mazdeísta.

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Freddie Mercury.
En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). 

Científicos del MIT crean “ojos” que atraviesan las paredes y ven en habitaciones oscuras

La tecnología convierte señales de radiofrecuencia en esqueletos tridimensionales. ¿Qué beneficios supone este avance? ¿Se convertirá en un mecanismo de vigilancia?

Investigadores del MIT CSAIL, la división del Instituto Tecnológico de Massachusetts dedicada a las ciencias de la computación e inteligencia artificial, crearon un sistema de visión capaz de atravesar paredes e incluso obtener información en habitaciones oscuras. 

Según comentan, el gran desafío de este ingenio es “comprender las acciones e interacciones de las personas” sin que sea necesario verlas en forma directa. Por ejemplo, si están en otro sitio y si no hay luz suficiente. 

Esa habilidad que trae al recuerdo las capacidades de algunos superhéroes, en este caso se apoya en señales de radiofrecuencia que son analizadas por redes neuronales. Esa combinación permite que el sistema vea sin luz o sin estar necesariamente frente a su objeto de estudio. 

Nuestro sistema continúa trabajando con precisión cuando las personas no son visibles, por lo tanto, aborda escenarios que están más allá del límite del reconocimiento de acción basado en la visión actual", comentan los investigadores. 

“Nuestro modelo utiliza como datos de entrada las señales de radiofrecuencia, genera esqueletos humanos en 3D a partir de las mismas y es capaz de reconocer las acciones e interacciones de varias personas a lo largo del tiempo”, explican los científicos. 

Posibles usos… y eventuales reparos 

En el paper que divulgan, los expertos del MIT CSAIL se enorgullecen de su criatura al decir que el modelo (que denominan “RF-Action”) alcanza una precisión comparable a los sistemas de reconocimiento que se aplican en escenarios directos. Es decir, con buena visibilidad y sin obstáculos intermediando. 

"RF-Action" se apoya en señales de radiofrecuencia y convierte las lecturas en esqueletos 3D".

Tianhong-Li, uno de los autores del estudio, señala que el mecanismo tiene múltiples aplicaciones, por caso en los hogares inteligentes. El investigador dice que serviría para detectar comportamientos anormales en personas mayores, por ejemplo si sufren una caída en una habitación; o realizar monitoreos a distancia en pacientes. 

El sistema no tiene resolución suficiente para reconocer rostros en habitaciones contiguas

Mientras los especialistas del MIT trabajan para que la eficacia de su sistema de visión conserve su efectividad cuando se añadan más paredes (por el momento, en las pruebas “atraviesa” un único muro); emergen asuntos relacionados a la privacidad que pueden generar controversias. ¿Tecnologías como ésta servirán para la vigilancia? 

De acuerdo a los científicos involucrados en este trabajo, por el momento no habría que preocuparse demasiado al respecto ya que la resolución de las imágenes de este sistema no permite reconocer rostros y, en tanto, asociar las lecturas a identidades específicas. 

Síntesis de la Historia Argentina (Segunda parte)

Síntesis de la Historia Argentina (Siglo XVI al Siglo XX)

Década infame (1930-1943)
El 6 de septiembre de 1930 los generales José Félix Uriburu y Agustín P. Justo encabezaron un golpe de estado, apoyado por grupos políticos conservadores, y expulsaron del gobierno a Yrigoyen, inaugurando un período en el que volvió el fraude electoral y la exclusión política de las mayorías. En 1933 se firmó el Pacto Roca-Runciman con Inglaterra, que aumentó enormemente la dependencia Argentina con ese país. Se sucedieron los gobiernos conservadores (el general Uriburu, entre 1930 y 1932; el general Justo, entre 1932 y 38; Roberto Ortiz, entre 1938 y 1942, y Ramón Castillo, entre 1942 y 1943), que se desentendieron de los padecimientos de los sectores populares y beneficiaron con sus políticas a los grupos y familias más poderosas del país.

Ascenso y auge del peronismo (1943-1955)

En 1943 un grupo de militares nacionalistas dio un golpe de estado y derrocó al presidente Castillo. Dentro de este grupo se destacó el coronel Juan Domingo Perón, quien, desde la secretaría de Trabajo y Previsión, llevó adelante una política tendiente a mejorar la legislación laboral y social (vacaciones pagas, jubilaciones, tribunales de trabajo). El apoyo popular a Perón lo condujo al gobierno en las elecciones de 1946. Durante sus dos presidencias (1946-1952 y 1952-1955) Perón, que ejerció el poder limitando el accionar de la oposición y censurando a la prensa, impulsó una política que combinaba el impulso de la industria, el empleo, las comunicaciones y los transportes, con la acción social desarrollada por Eva Perón a través de la construcción de hospitales, escuelas, hogares para niños y ancianos, y ayuda económica para los más pobres.

“Revolución libertadora” (1955-1958)
En 1955 un golpe militar con amplio apoyo político y social derrocó a Perón, quien marchó al exilio. Tras el breve interregno de Lonardi, militar de corte nacionalista y católico, un nuevo golpe de comando puso al Ejército, representado por Pedro Eugenio Aramburu, y a la Marina, representada por Isaac Rojas, a la cabeza de un gobierno, cuyo objetivo medular era eliminar al peronismo de la vida nacional, apuntando fundamentalmente al movimiento obrero. El decreto 4161 y los fusilamientos de junio de 1956, máxima expresión de la reacción, se combinaron con la reforma de la constitución (1957) y la implementación de un proyecto económico liberal  ideado por Raúl Prebisch, que buscaba desmontar el modelo peronista y lograr la “estabilización” económica con el respaldo del FMI. En este marco de violenta persecución, comenzó la denominada “resistencia peronista”, que se extendió también a numerosos sectores populares no peronistas. No sin oposición interna, el régimen militar concedió una apertura electoral que creyó controlar y que dio paso al período de las democracias condicionadas encabezadas por gobiernos radicales.

Frondizi e Illia (1958-1966)

En 1958 el líder de la Unión Cívica Radical Intransigente, Arturo Frondizi, llegó al gobierno tras sellar una alianza con Perón. Sin embargo, su política desarrollista, llevada a cabo mediante la contratación de empresas extranjeras para la extracción de petróleo y la gestión de un crédito del FMI, condicionado a la implementación de medidas liberales, no tardaron en granjearle la hostilidad del peronismo. Para hacer frente a las manifestaciones de descontento, el gobierno puso en marcha el “plan Conintes”, que otorgó al Ejército la facultad de arrestar, detener e interrogar a gremialistas y opositores. Su política exterior y el triunfo del peronismo en las elecciones de 1962 precipitaron un nuevo golpe de estado. Procurando salvar la institucionalidad, asumió el presidente del Senado, el radical José María Guido, cuyo gobierno estuvo tutelado desde las filas castrenses. Las elecciones presidenciales de 1963, con proscripción del peronismo, llevaron a la presidencia a Arturo Illia, de la Unión Cívica Radical del Pueblo. La anulación de los contratos petroleros, la Ley de Medicamentos y un aumento en la inversión en salud y educación cosecharon hostilidad en el empresariado. El peronismo, especialmente su base sindical, y la prensa llevaron adelante una fuerte campaña contra el líder radical, dejando el terreno libre para que, una vez más las Fuerzas Armadas, asestaran un nuevo golpe a la democracia. El 28 de junio de 1966, Juan Carlos Onganía asumió de facto el mando del país. Contaba, una vez más, con amplio apoyo político y social.

La “Revolución argentina” (1966-1973)

El general Juan Carlos Onganía aplicó, con apoyo del FMI, un fuerte programa liberal orientado a satisfacer los intereses de los grandes grupos económicos, al tiempo que, bajo los auspicios de la Doctrina de la Seguridad Nacional impulsada por Estados Unidos, convirtió la persecución del peronismo en la del comunismo y de las guerrillas. Implantó una rígida censura, que alcanzó a toda la prensa y a todas las manifestaciones culturales, incluyendo la intervención de las universidades y la expulsión de profesores opositores, que derivó en lo que se conoce como la “fuga de cerebros”. Sin embargo, las movilizaciones estudiantiles, las insurrecciones populares (como el Cordobazo) y la organización guerrillera debilitaron al gobierno provocando un golpe interno. En junio de 1970 asumiría Roberto Levingston, de corte nacionalista, que no lograría contener las protestas populares y la actividad guerrillera. Una segunda manifestación popular en Córdoba, conocida como el “Viborazo”, dio por tierra con este nuevo gobierno. En marzo de 1971, asumió Alejandro Agustín Lanusse, quien propugnó una política conciliatoria, a través del GAN (Gran Acuerdo Nacional), permitiendo el regreso de Juan Domingo Perón y convocando a elecciones nacionales sin proscripciones para el peronismo. En marzo de 1973, el triunfo sería para los candidatos de esa fuerza, Héctor Cámpora y Vicente Solano Lima.

Vuelta de Perón (1973-1976)

Entre 1973 y 1976 gobernó nuevamente el peronismo con cuatro presidentes (Cámpora, 1973; Lastiri, 1973; Perón, 1973-1974; e Isabel Perón 1974-1976), quienes intentaron retomar algunas de las medidas sociales del primer peronismo, como el impulso de la industria y la acción social, el mejoramiento de los sueldos y el control de precios. Pero los conflictos internos del movimiento peronista y la guerrilla, sumados a la crisis económica mundial de 1973, complicaron la situación, que se agravó aún más con la muerte de Perón en 1974 y la incapacidad de su sucesora, Isabel Perón, de conducir el país. Esta crisis fue aprovechada para terminar con el gobierno democrático y dar un nuevo golpe militar, que contó una vez más con un amplio respaldo civil.

Dictadura (1976-1983)

La dictadura militar que gobernó el país entre 1976 y 1983 contó con el decisivo respaldo de los grandes grupos económicos nacionales y el financiamiento permanente de los grandes bancos internacionales y los organismos internacionales de crédito, como el Banco Mundial y el FMI. El saldo de su gestión fue el de miles de muertos y desaparecidos, centenares de miles de exiliados, la derrota del Ejército argentino en Malvinas, la multiplicación de la deuda externa por cinco, la destrucción de gran parte del aparato productivo nacional y la quiebra y el vaciamiento de la totalidad de las empresas públicas a causa de la corrupción de sus directivos y de la implementación de una política económica que beneficiaba a los grupos económicos locales y extranjeros.

Raúl Alfonsín (1983-1989)

El 10 de diciembre de 1983, después de casi veinte años, el radicalismo volvía al gobierno tras el triunfo de Raúl Alfonsín. Empujado por la fuerza de los organismos de derechos humanos que nacían tras la feroz represión militar, el líder radical abrió las puertas a las denuncias y a una primera investigación sobre los crímenes de lesa humanidad cometidos durante la dictadura, que se reflejó en el informe de la CONADEP y que permitió que fueran juzgadas las cúpulas militares en el Juicio a las Juntas. Aunque insuficiente para algunos organismos, la política de derechos humanos de Alfonsín fue severamente atacada por amplios sectores militares, que produjeron el movimiento carapintada, los retrocesos hacia las Leyes de Obediencia Debida y Punto Final, y el último intento guerrillero que culminó en la masacre de La Tablada. Pero lo que había cambiado sustancialmente eran las bases económicas. Con el creciente poderío de los grupos financieros y un mecanismo de endeudamiento externo incontrolable, Alfonsín cedió ante las recetas liberales y no logró reencauzar una economía desindustrializada y anémica. Con escaso apoyo social, frente a un peronismo conspirativo y con los grupos económicos en contra, la hiperinflación obligó a Alfonsín a renunciar antes de tiempo. Vendría el tiempo del “menemato”.

Carlos Menem (1989-1999)

La caída del Muro de Berlín y el fin de la era del mundo bipolar se combinaron con el avance de Estados Unidos hacia la región latinoamericana, cuya formulación más emblemática en materia económica fue el Consenso de Washington, una serie de medidas que establecían la aplicación en América Latina de un proyecto de corte neoliberal. Carlos Menem, el candidato peronista que accedió a la presidencia en 1989, procedió paradójicamente a implementar este programa, que se encontraba en las antípodas de su prédica electoral y de los postulados históricos del peronismo. La privatización de empresas estatales, como YPF, Aerolíneas Argentinas, Entel, Gas del Estado, entre otras, fue acompañada por una apertura indiscriminada del mercado a los productos y capitales extranjeros y por una política de “relaciones carnales” con los Estados Unidos. El proyecto se completó con el Plan de Convertibilidad monetaria impulsado por Domingo Cavallo y las renegociaciones de la deuda externa, que provocaron una mayor dependencia y endeudamiento. El modelo suscitó el apoyo de los sectores medios, que inicialmente se vieron beneficiados por la política monetaria y de importación. Pero pronto comenzaron a hacerse visibles los efectos devastadores en términos sociales y culturales, con una explosión de la desocupación y de la pobreza, y con la visibilidad e impunidad de la corrupción a gran escala. A ello se sumaba una política de “reconciliación” plasmada con los indultos a las cúpulas militares que implementaron el Terrorismo de Estado y también a las guerrilleras. El descontento social no se hizo esperar y algunos estallidos populares (Santiagueñazo y piqueteros en CutralCó y General Mosconi) fueron acompañados por la convergencia política de amplios sectores en lo que terminaría conformando el crítico y progresista espacio del FREPASO y la posterior moderada Alianza en 1997, que con Fernando de la Rúa a la cabeza, pondría fin al gobierno menemista en 1999, pero no al modelo neoliberal implementado.

Fuente: Síntesis de la Historia Argentina - El Historiador