Biografía de Frank Sinatra

(Francis Albert Sinatra; Hoboken, Estados Unidos, 1915 - Los Ángeles, 1998) Cantante de música ligera y actor estadounidense. La vocación musical de Sinatra nació en 1933, tras asistir a un concierto del cantante Bing Crosby. Dos años después ingresó en el grupo llamado The Hoboken Four y se presentó al programa radiofónico Major Bowes Amateur Hours, lo que le procuró actuaciones en diversos espectáculos radiofónicos. En 1939, el trompetista Harry James lo contrató como cantante de su orquesta, con la que realizó sus primeras grabaciones. Ese mismo año contrajo matrimonio con Nancy Barbato. En 1940 se produjeron dos hechos fundamentales en su trayectoria personal y artística: ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, uno de los conjuntos de swing más populares de Estados Unidos por aquel entonces, y nació su hija Nancy. Por su destacada personalidad, en 1942 se convirtió en un ídolo de la juventud estadounidense; en 1943 inició su carrera en solitario con la publicación del elepé All or nothing at all, del que logró vender un millón de copias. Con su popularidad en alza, en 1944 debutó en el cine con la película Higher and higher. Ese mismo año nacería su hijo Francis Wayne, y cuatro años después, su segunda hija, Tina. A principios de la década de 1950, una grave afección en las cuerdas vocales hizo temer que el cantante tuviera que abandonar su carrera musical prematuramente; sin embargo, se recuperó sin mayores problemas. En 1951 se divorció de Nancy para casarse con la popular actriz Ava Gardner. Dos años después, obtuvo un Oscar de Hollywood al mejor actor secundario por su interpretación en el papel de Angelo Maggio en la película De aquí a la eternidad (From here to eternity). Ese mismo año se separó de Ava Gardner. En 1955 retomó su carrera musical con el disco In the wee small hours, que llegó a situarse en el segundo lugar de las listas de éxitos estadounidenses, mientras en el apartado cinematográfico fue propuesto para el Oscar al mejor actor por su actuación en el filme El hombre del brazo de oro (The man with the golden arm). El disco Songs for swingin' lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Al año siguiente, en 1957, obtuvo por fin el divorcio de Ava Gardner, y un año más tarde publicó el elepé Come fly to me, el primero en situarse en primer lugar de las listas, en las cuales se mantuvo durante 71 semanas, cifras que superaría con Only the lonely y sus 120 semanas de permanencia. En la década de 1960 prolongó su brillante carrera discográfica con títulos como Nice and easy (1961) y Strangers in the night (1962). También protagonizó la película El mensajero del miedo (The manchurian candidate, 1962), que pese a ser considerada por la crítica estadounidense una de las mejores películas de Sinatra, no obtuvo un gran reconocimiento del público. Cuando contaba cincuenta años de edad se casó con la actriz Mia Farrow, treinta años más joven que él, aunque el matrimonio naufragó pronto. En 1968 se volvería a divorciar, para contraer en 1976 su cuarto matrimonio, en esta ocasión con Barbara Marx, la viuda del actor cómico Zeppo Marx, benjamín de los hermanos Marx. En el apartado musical, se prodigó en colaboraciones como Sinatra-Basie (1962), con su ídolo de juventud Bing Crosby en 1964, con su propia hija Nancy y con el compositor brasileño António Carlos Jobim en 1967 o con Duke Ellington en 1968. En la década de 1970 se consolidó como una autentica institución de la música popular, y en 1980 interpretó su último papel dramático en la película El primer pecado mortal (The First Deadly Sin), aunque aún se le pudo ver en algún cameo como el de la comedia Los locos de Cannonball 2, del 1984. En el año 1990, con motivo de su septuagesimoquinto cumpleaños, celebró una exitosa gira por su país y en 1994 fue galardonado con el Premio Grammy por la totalidad de su carrera artística.

Biografía de Jorge Porcel

Fue uno de los cómicos más importantes del siglo XX, conformando una sociedad artística con su colega Alberto Olmedo que batió récords y fue inigualable por la química que ambos lograron. Prueba de esa conexión magnífica que hubo entre él y Olmedo fue que al poco tiempo de fallecer su colega y amigo en un accidente en Mar del Plata, Porcel, se radicó en Estados Unidos y fue progresivamente retirándose del medio que tanto alabó su talento Su fisonomía marcada por la obesidad le valió el apodo artístico del gordo Porcel. Porcel nació en Buenos Aires, en el año 1936. Tenía poco más de 20 años cuando uno de los iconos de la conducción, Juan Carlos Mareco, lo descubrió realizando un show humorístico en un bar y lo recomendó a los creadores del emblemático programa humorístico de radio La Revista Dislocada. A mediados de la década del sesenta inicia otra de las sociedades artísticas que también le reportaría un sinfín de éxitos, con los hermanos Hugo y Gerardo Sofovich. De la mano de estos guionistas y directores participó en programas inolvidables de la televisión argentina como Operación Ja, ja, La Peluquería de Don Mateo, Polémica en el Bar, entre otros. De la mano de Gerardo y Hugo, más Olmedo, también logró un éxito inigualable en el cine con títulos que se convirtieron en clásicos del humor: Los caballeros de la cama redonda, Los doctores las prefieren desnudas, Hay que romper la rutina, Mi novia el travesti, Maridos en vacaciones, Los hombres solo piensan en eso, Expertos en pinchazos, Departamento compartido, Amante para dos y los Fierecillos indomables, entre otras Cabe destacarse que en estas películas también eran habituales partenaires otras figuras de la escena artística de aquellos años como las vedettes Moria Casán y Susana Giménez y el humorista Tato Bores. La temática de las mismas supo ser cuestionada por algunos detractores por considerarlas demasiado sexistas, con constantes apelaciones a lo sexual y desnudos femeninos. En la década del ochenta, la dupla Olmedo-Porcel, viró hacia contenidos cinematográficos que incluían a toda la familia, tales como: Los colimbas se divierten y Rambito y Rambón. En la tevé también supo ganarse un espacio propio hacia finales de los años ochenta con el éxito Las Gatitas y Ratones de Porcel, donde inició otra sociedad artística inolvidable con el comediante Jorge Luz en el sketch La Tota y La Porota Si bien su vida profesional siempre estuvo llena de luces y aplausos su esfera privada estuvo signada por varios sinsabores, principalmente su lucha contra el sobrepeso y peleas familiares con su primogénito Jorgito y su madre, a quienes presuntamente abandonó y estos siempre se lo reprocharon públicamente. Lo sabido es que Porcel era muy mujeriego, mantuvo romances con las actrices Carmen Barbieri y Luisa Albinoni mientras estaba casado. En una de sus relaciones extra matrimoniales nación Jorgito Jr. y la relación entre padre e hijo se tensó cuando el humorista decidió adoptar a una niña. Muchos de sus compañeros de trabajo lo señalaron como un hombre colérico y de malos modos detrás de escena Los últimos años de su vida los transcurrió en Estados Unidos donde trabajó en películas y programas de humor. También estuvo muy aquejado en estos tiempos por problemas de salud asociados a su sobrepeso y por el mal de Parkinson. Se refugio en el evangelismo para poder atravesar en calma todos estos infortunios. Muchos sostienen que su debacle comenzó con la inesperada muerte de su amigo Olmedo. En 2006 falleció a los 69 años de edad.

Biografía de Juan Carlos Altavista

Paseando por las angostas calles que aún mantienen el empedrado, cercanas a la estación Borges del Tren de la Costa, en el barrio de Olivos, de repente nos topamos con la imagen inconfundible de uno de los cómicos más grandes que tuvo la Argentina. juan carlos altavista actor comico Su rostro de buenazo, enmarcado por un sombrero inclinado, nos deja ver un pasado plagado de recuerdos, porque en definitiva todos tuvimos la oportunidad de sentir como un miembro más de la familia a Minguito Tinguitela. Porque ese era justamente el vínculo que lograba Juan Carlos Altavista cuando se ponía en la piel de aquel querido personaje, que se resiste al paso del tiempo gracias a los archivos televisivos y ese monumento que inunda de alegría al barrio de Olivos. No por nada, alguna vez dijo: “Cuando salís a la calle sos de la gente”. Quienes tuvieron la oportunidad de conocerlo, aseguran que su humildad, sencillez y bondad trascendieron más allá de la pantalla. Por eso Mingo o Juan Carlos, según fuera el caso, se convirtió en amigo de todos los argentinos, y no es de extrañar que cuando la gente pasa junto a su monumento lo salude con el habitual: “¿Qué hacé tri tri?”, como si aquella figura de bronce encerrara en su interior al inolvidable y querido “gomía”. Incluso, seguramente fueron las paradojas que tiene la vida lo que hizo que Altavista nos dejara para siempre un día del amigo. Aquello ocurrió el 20 de julio de 1989, a raíz de un ataque cardíaco, y después de haber sufrido durante varios años del Síndrome de Wolff-Parkinson-White, que le provocaba eventualmente taquicardias. Fue desde aquel momento, o quizás desde la creación de Minguito, que el público comenzó a identificarse con el personaje, y hoy no es de extrañar que alguna que otra vez nos encontremos diciéndole a alguien “Parecés Minguito”, cuando vemos que acumula papeles en sus bolsillos. Juan Carlos Altavista nació el 4 de enero de 1929, y desde muy pequeño supo que su destino estaba en la actuación. ASÍ FUE QUE COMENZÓ A INCURSIONAR EN DICHO ARTE A TRAVÉS DE LAS ACTIVIDADES EN LAS QUE PARTICIPABA DENTRO DEL TEATRO INFANTIL LAVARDÉN. Allí compartió el inicio de su pasión junto a otras importantes figuras, como fue el caso de Julia Sandoval y Beba Bidart. Mientras trabajaba en distintos oficios para colaborar con la economía de su casa, comenzó a estudiar teatro más profundamente, para lo cual tomó clases con actores de primer nivel, como es el caso de Narciso Ibáñez Menta, Francisco Petrone y Luis Sandrini. Aquel hombre que cultivaba un sueño, de repente se sintió enamorado de una joven llamada Raquel Álvarez, y no dudó en unirse para siempre en matrimonio con quien siempre aseguró que era el amor de su vida. Con ella tuvo tres hijos: Juan Gabriel, Ana Clara y Maribel, esta última esposa del actor Miguel Ángel Rodríguez. LOS AÑOS PASARON Y SU VOCACIÓN POR EL TEATRO CRECIÓ CADA VEZ MÁS. Mientras aprovechaba las oportunidades que le surgían para interpretar algunos pequeños papeles, sobre todo en radio, llegó el momento de la creación de uno de los personajes más emblemáticos de la Argentina. En realidad, Minguito Tinguitela surgió de una idea compuesta en conjunto por Altavista y Juan Carlos Chiappe, quienes en una charla trataron de darle forma a un personaje entrañable y reconocible. Por ello eligieron un ciruja, ataviado de ropas viejas, con boina, alpargatas y el típico escarbadientes en la boca. Altavista dio a conocer a Mingo en la radio, y tal fue el éxito que obtuvo inmediatamente que fue requerido por Gerardo Sofovich para que se incorporara a “Polémica en el bar”, y al poco tiempo también en un sketch del ciclo “Operación Ja-Já”. No debió pasar mucho tiempo para que el público lo eligiera, y entonces Mingo necesitó un espacio propio, en el que lo acompañaban Jorge Porcel, Fidel Pintos, Javier Portales, Vicente La Russa, Mario Sánchez y Adolfo García Grau. Al mismo tiempo, Mingo continúo irrumpiendo el éter con su participación en el programa radial “El Clan del Aire”, en el que participó durante más de una década, entre los años 1976 a 1989, y por lo cual fue galardonado con el Premio Argentores. Y en televisión, en el año 1987 llegó uno de los ciclos más inolvidables del cómico. Bajo el título de “Super Mingo” un conjunto de sketch lo ponían como protagonista de la pantalla de Canal 11, y allí también fue premiado. Su paso por el cine nos ha dejado una larga lista de más de 60 películas en las que Juan Carlos Altavista compartió la pantalla junto a importantes figuras del momento, con filmes com: “Los muchachos de mi barrio”, “Minguito Tinguitela Papá”, “Brigada en acción”, “La Nona”, “¡Qué linda es mi familia!”, y entre otras la inolvidable saga de Mingo y Aníbal, junto a Juan Carlos Calabró.

Biografía del Indio Solari

Carlos Alberto “Indio" Solari nació en Paraná (Entre Ríos) el 17 de enero de 1949. Fue, junto a Eduardo "Skay" Beilinson, la figura más importante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda emblemática del rock argentino entre comienzos de los '80s y los '90s.

De muy pequeño, sus padres se mudaron a La Plata, donde pasó toda su infancia y adolescencia. Desde joven estuvo ligado al arte: era aficionado al dibujo y las artes gráficas. En 1966 fue alumno de la Escuela nº 33 de La Plata donde conoció al baterista Isa Portugheis, su gran amigo de la infancia. También comenzó a relacionarse con Guillermo Beilinson. Estos dos participaban de Diplodocum Red & Brown, una banda de movimiento cultural de finales de los 60.

El Indio conoció, en ese entonces, a Eduardo Beilinson, hermano de Guillermo, apodado Skay, con quien comenzaron a componer canciones como "Mariposa Pontiac", "Blues del noticiero" y "Un tal Brigitte Bardot", que luego fueron éxitos de Los Redondos, algunos nunca editados.

Pese a que jamás fue un miembro estable, Solari participaba de La Cofradía de la Flor Solar, la comunidad hippie fundada por el artista plástico Rocambole (Ricardo Cohen). En una gira por el norte de Argentina, junto a Skay y a otros músicos, concretaron el proyecto de Patricio Rey, que se plasmó recién en un disco debut ("Gulp!") en 1985.

Disueltos por diferencias Los Redondos en 2001, el Indio le dio forma a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, banda de solista compuesta por, entre otros, Gaspar Benegas y Baltasar Comotto en guitarras, Marcelo Torres en bajo, Hernán Arramberri en batería, Alejo von der Pahlen y Sergio Colombo en saxo, Ervin Stutz y Miguel Ángel Tallarita en trompeta y trombón y Pablo Sbaraglia en teclados.

El primer trabajo solista del Indio Solari, grabado en su casa de Parque Leloir, fue "El tesoro de los inocentes (bingo fuel)" que fue lanzado en 2004. El disco fue presentado el 12 y 13 de noviembre de 2005 en el Estadio Ciudad de La Plata y en diciembre en Montevideo, Uruguay.

El segundo disco de Solari fue "Porco Rex", que salió a la venta en diciembre de 2007. Entre los 13 tracks se destacó "Veneno paciente", cantado a dúo con Andrés Calamaro (aunque acreditado al "Inefable Señor Gama Alta"). Presentó el material en vivo el 12 de abril de 2008, en el anfiteatro de Jesús María, Córdoba.

La gira de Porco Rex finalizó los días 20 y 21 de diciembre en el Estadio Único de La Plata junto con el propio Andrés Calamaro, que subió al escenario para cantar tres canciones: "Veneno Paciente", "El Salmón" de Andrés y "Esa estrella era mi lujo", de Los Redondos.

El día 19 de septiembre de 2009, se presentó en el estadio Padre Martearena de Salta ante más de 35 mil espectadores, reviviendo viejos temas de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota como "Todo un palo", "El arte del buen comer" y "Fuegos de Oktubre", entre otros.

También circulaban rumores sobre la preparación del más ambicioso de sus proyectos: la edición de un DVD, con imágenes de sus presentaciones en vivo con los discos "El tesoro de los inocentes" y "Porco Rex", pero nunca llegó a editarse.

El Indio Solari se presentó, tal cual cómo lo hizo el 5 de julio de 2008, el 13 de noviembre de 2010 en el Hipódromo de Tandil, siendo su único show en el año de ese año, luego de un importante silencio.

Pocos días después, el 30 de noviembre de 2010, salió a la venta su tercer material solista: "El perfume de la tempestad", en el que apareció autodenominado como "Caballo Loco". El disco fue presentado en sociedad en una entrevista con Mario Pergolini en su programa de la radio Rock & Pop.

En 2011 Solari realizó tres recitales en el marco de la presentación de "El perfume de la tempestad". El 26 de marzo en el Estadio Padre Ernesto Martearena de Salta, el 3 de septiembre en el Autódromo Eusebio Marcilla de Junín y el 3 de diciembre en el Hipódromo de Tandil.

Un dato curioso es que la revista económica Forbes publicó un ranking de los músicos argentinos más adinerados y el Indio figuraba como el más rico con una fortuna de 13 millones de dólares, aunque Solari emitió un comunicado en el que negó la información de la publicación.

El 14 de septiembre de 2013, Solari protagonizó el show con más entradas vendidas en la historia del rock argentino, con más de 120.000 espectadores en el autódromo Penna, en la ciudad de San Martín (Mendoza), que presenciaron el recital en medio de una tormenta de aguanieve y temperaturas bajo cero.

En diciembre de ese año presentó "Pajaritos, bravos muchachitos", su cuarto disco. Grabado en su propio estudio Luzbola, contó con la participación de los ex Redondos Semilla, Sergio Dawi y Walter Sidotti.

En junio de 2015, Indio habló con Mario Pergolini a través de Vorterix y reveló que su salud se debilita al punto de alejarlo definitivamente de los escenarios. “Tengo una enfermedad malvada que hay que tener en cuenta", explicó. Luego, se confirmó que se trataba de Parkinson.

"En concierto" es, ni más mi menos, el primer documento audiovisual lanzado oficialmente. Distribuido por DBN en una edición limitada de 30mil copias, que incluye dos CDs, dos DVDs y un libro de fotos, todo registrado en vivo en el Estadio Ciudad de La Plata, el 21 de diciembre del 2008 en la pesentación de "Porco Rex".

El 11 de marzo de 2017, el Indio convocó a un nuevo show en Olavarría, la ciudad que 20 años antes había rechazado la presentación de Los Redondos. Si bien no se difundió de esa manera, la sensación generalizada era que se trataría del último show de Solari, por lo que la convocatoria se incrementó como nunca. Las primeras pericias concluyeron que en el predio ingresaron más de 400 mil personas (estaba habilitado para 155mil). Lo cierto es que dos personas murieron asfixiadas esa noche: Javier León (42) y Juan Francisco Bulacio (36), tras quedar en medio de las avalanchas y no haber podido ser asistidas a tiempo. Los hermanos Marcos y Matías Peuscovich, socios de Solari en la producción del show, quedaron en la mira de la investigación.

Luego de varias postergaciones, en julio de 2018 editó "El ruiseñor, el amor y la muerte", su quinto trabajo solista. Las sesiones de grabación se extendieron más de lo previsto a raíz de las enfermedades del propio Solari y del baterista e ingeniero de sonido Martín Carrizo. Todo el proceso tuvo lugar, como es habitual, en el estudio Luzbola de Parque Leloir. Allí se fueron rotando los integrantes de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado para grabar cada uno su parte, por separado.

  

Biografía de Carlos balá

Ea-ea-a pe-pé: “Aquí llegó Balá, el show ya comenzó”, una breve frase perteneciente a una de las canciones que a la mayoría de los adultos de la Argentina lo retrotrae inmediatamente a su infancia. No es para menos, ya que Carlitos Balá ha sido uno de los más importantes ídolos infantiles durante décadas, por lo que hoy es considerado una verdadera institución a nivel nacional. Leonino de nacimiento, Carlos Salim Balaá llegó a este mundo el 13 de agosto de 1925 en el barrio porteño de Chacarita, donde se crió bajo la educación del carnicero llamado Mustafá Balaá y de Juana Boglich, siendo el tercer hijo varón del matrimonio de inmigrantes. Desde muy pequeño, Carlitos demostró tener una fuerte predilección por el arte, sobre todo en lo que respecta a lo referido al teatro, por lo que habitualmente improvisaba pequeños teatritos que fabricaba con los cajones de verduras que recolectaba en el mercado en el que trabajaba su padre. Así, mientras su progenitor atendía el mostrador de la carnicería, Carlitos jugaba sobre el mini escenario con figuras que recortaba de las revistas, las que protagonizaban obras que surgían de su propia mente de niño. No obstante, en el colegio se demostraba como un niño tímido e introvertido, mientras que, en la calle, cuando se reunía con sus amigos se convertía en el cómico del grupo, por lo que todos querían ser amigos de Carlitos. Lo cierto es que la escuela no era precisamente de su agrado, y muchas veces, sin el consentimiento de sus padres y sus maestros, se escapaba del horario escolar para asistir a la función del cine del barrio, es que el séptimo arte era una de las grandes pasiones infantiles de Balá. Al cumplir los 18 años, Carlos decidió que debía independizarse, por lo que dejó de trabajar junto a su padre en la carnicería, para pasar a realizar diversos trabajos, como peón de imprenta, repartidor y administrativo, entre otros, a la par que su verdadera vocación crecía de manera indescriptible en su interior. Los años pasaron y gracias a la intervención de un gran amigo de Balá, llamado Isaías, y de su novia, la vedette Morenita Galé, el joven cómico aún no descubierto realizó una prueba para Délfor Amaranto, del popular programa “La Revista Dislocada”. El talento de Carlitos quedó en evidencia rápidamente, por lo que fue contratado, comenzando así su romance con el público argentino. Si bien su debut fue en radio, lo cierto es que la televisión sería el hogar ideal para este gran cómico, donde además debutó como solista en el año 1961, con su participación en el show “La Tele kermese Musical” en Canal 7. Paralelamente interpretó el papel de Joe Bazooka, el personaje que antes había sido encarnado por Alberto Olmedo. SU FAMA CRECÍA, Y COMENZABA A SER REQUERIDO POR LOS DISTINTOS CANALES DEL PAÍS. Así fue que al año siguiente comenzó su participación en “Telecómicos” por Canal 9, y poco después llegaría su consagración con la obra de teatro “Canuto Cañete Conscripto del Siete”, que luego se convertiría en película, y con la que logró convertirse en el cómico más popular del momento. A raíz del éxito, los directivos de Canal 9 le ofrecen a Carlitos tener su primer ciclo propio, el cual fue denominado “Balamicina”, y que contaba con el guión de Gerardo Sofovich. Luego de aquella grata experiencia, le llegaría el turno a Canal 13, una de las emisoras en las que Carlos Balá selló por completo su destino de ídolo infantil, comenzando en 1964 con el ciclo “El Soldado Balá”, seguido por “El Flequillo de Balá”, “El Clan Balá”, “Balabasadas”, “El Circus Show de Carlitos Balá”, “El Circo Mágico de Carlitos Balá” y por último su principal éxito “El Show de Carlitos Balá”, que se extendió durante cuatro años, entre 1974 y 1978. Pero el entrañable Show de Carlitos Balá no culminó allí, ya que el cómico se trasladó con su ciclo a Canal 7 para hacer su programa durante tres temporadas. Este es seguramente su etapa más recordada, ya que fue en esa oportunidad que surgieron personajes como Petronilo, el Mago Mersoni, el Hombre Invisible, el Indeciso, Miserio y Mamá-Pibe, y también fue el momento en que nació el Chupetómetro. A la par, Carlitos desarrolló una intensa carrera cinematográfica, con filmes que hoy se han convertido en películas de culto, como es el caso de aquellas coprotagonizadas junto a Palito Ortega, como “Dos Locos en el Aire”, “Brigada en Acción”, “Las Locuras del Profesor”, “Cosa de Locos”, entre otras que completan un total de siete largometrajes, en los que el humor era la principal excusa de todas las situaciones. Hoy, a pesar de tener en sus espaldas 96 años, Carlitos Balá continúa despertando la sonrisa de niños y adultos, y cada vez que su salud se lo permite sale a recorrer el país con su circo, llevando amor y diversión a millones de argentinos.

Almafuerte

Al disolverse Hermética, Ricardo Iorio (fundador de V8), quien estaba en su mejor momento artístico y luego de copar Obras con su última banda, en 1995 da origen a Almafuerte. Para ello Iorio contó con el Tano Marciello en guitarra y Claudio Cardacci (ex A.N.I.M.A.L.) en batería.

Su primer álbum salió en 1995 y se tituló "Mundo Guanaco". Contiene temas de la música popular porteña, entre ellos "Desencuentro", de Castillo y Troilo, y "De los pagos del tiempo", de José Larralde. "El amasijo de un gran sueño", es una canción inspirada en sus ex compañeros de Malón. Debutan en vivo en la Biblioteca Popular de Olivos y luego copan Arpegios. 

En noviembre de 1996 sale su segundo disco, “Del Entorno”, donde todas las letras son de Iorio y todas las músicas de Marciello, dando forma así lo que para Ricardo fue la mejor dupla musical de toda su carrera. 

Después de la edición de este trabajo, Claudio Cardacci se aleja de la banda e ingresa R. Marquez en la batería, quien sólo toca un par de veces en vivo y graba el disco que Iorio hace junto al bajista de los Cadillacs, Señor Flavio, titulado “Peso Argento”. 

En 1997 sale a la calle “En Vida”, su tercer trabajo, grabado en vivo en diferentes puntos del país; con este disco se incorpora a la banda ya su tercer baterista, Walter Martínez. El álbum contiene canciones de V8, Hermética, Almafuerte y tres temas del disco solista con Flavio, más dos tracks nuevos. 

En 1998 sale al mercado “Almafuerte”, donde el grupo se consolida como la mejor banda Heavy del momento y una de las mejores de la historia de este género. Producido por Ricardo Mollo (Divididos), este álbum contiene la canción "Triunfo", respecto de la cual los entendidos señalan que está dedicada al cantante de Malón, Claudio O´ Connor. En este mismo año sale “Profeta en su tierra”, un compilado con algunos temas de Almafuerte versionados y otros de Hermética en diferentes interpretaciones. 

En 1999 se edita “A Fondo Blanco” otra vez bajo la producción de Mollo, que contiene el tema homónimo de la película “El Visitante” y "A Vos Amigo", dedicado a Tommy Moya. Este disco es presentado el 25 de diciembre en Museum, y luego en el año 2000 nuevamente en Obras, recibiendo en el escenario a Lito Vitale como invitado. Reiteradas peleas con su baterista hacen que Valencia ocupe el puesto. 

En 2001 lanzan “Piedra Libre”, donde la banda sigue haciendo canciones de forma espectacular y ya sin la obligación de demostrar o rendir cuentas a alguien. Un disco muy afianzado y sólido donde se ve a Almafuerte en su mejor momento. Así pasan los meses tocando por todo el país, para llegar a “En vivo en Obras 2001”, disco que sale a la calle en enero del 2002. Para este entonces, Iorio dejó el bajo y se dedicó a cantar.

Hacia fines del año 2003 sacan una nueva producción discográfica bajo el nombre de "Ultimando", con las letras características tan reales y un ritmo que se ha vuelto característico de esta banda del heavy nacional argentino. 

En 2005 llega "10 Años", una placa de grandes éxitos que reúne lo mejor de Almafuerte en su década de vida.

En 2006 lanzan "Toro y Pampa", un nuevo material que demuestra todo el metal argentino en doce nuevas canciones, predominando una temática rural, tanto en el arte y en las letras que componen el álbum, como en la manera que Iorio comienza a expresarse cuando habla.

En 2009 editan "En Vivo En Obras", un trabajo compuesto por un CD y un DVDcon imágenes del show.

Así Almafuerte continúa tocando en los escenarios de Heavy Metal, recorriendo todo el país. 

En septiembre de 2012 y luego de varios años sin editar un álbum original, Almafuerte sorprende con "Trillando la Fina", compuesto por 11 nuevas canciones. Entre ellas, se encuentran "Pa´l recuerdo" y "Mamuil Mapu", en las cuales Ricardo Iorio combina el español con frases mapuches; el disco sigue la línea de toda la discografía de Almafuerte, y posee canciones con la misma potencia de siempre, intercaladas con temas mezzo tempo, como "Si Me Ves Volver" y "Mi Credo".

El 22 de junio de 2013 por primera vez se presentan en un estadio de fútbol. El show se lleva a cabo en el Club All Boys en Capital Federal con una presencia de 25.000 fans de la banda. También se incluyó la grabación de otro DVD. Este concierto contó con varias particularidades, como lo fue una fugaz vuelta al bajo por parte de Iorio tocando "Desde el oeste", y la ejecución después de mucho tiempo del Popurrí de canciones de V8 y Hermética. El líder de Almafuerte le dio la voz a los de Hermética, y luego se retiró momentáneamente del escenario para que Alberto Zamarbide cante las de V8.

En mayo de 2016 Iorio anuncia que Almafuerte no tocaría mas por el resto del año. 

En octubre de 2017 Ricardo Iorio confirma la separación de Almafuerte para dedicarse a su carrera solista. 

Biografía de Alberto Olmedo

Fue uno de los cómicos más populares, queridos, y exitosos de Argentina y cuando su reconocimiento estaba más vivo que nunca la tragedia de su inesperada muerte lo convirtió en leyenda y agigantó aun más su genio y figura. El humorista murió en pleno apogeo de su carrera, haciendo éxitos en cine, teatro, y televisión, con ese sello tan particular que le imprimía a sus creaciones y personajes, muchos inspirados en personas de carne y hueso, amigos de su querido Rosario natal Nació un 24 de agosto del año 1933, en la provincia de Santa Fe. De origen modesto, se interesó de niño por la actuación y a mediados de la década del cincuenta se mudó a Buenos Aires para estar más cerca de las oportunidades laborales. Sus primeros pasos los dio en el canal estatal como operador y cuando el interventor descubrió sus dotes humorísticas le dio un espacio frente a cámaras, lado del que jamás salió. Su primer gran éxito llegó en la década del sesenta y con él también uno de sus personajes más entrañables: El capitán Piluso A mediados de los años sesenta se unió al elenco del programa de humor Operación Ja Ja, de los hermanos Sofovich, donde nacerán otros entrañables personajes: Rucucu. Los años setenta marcaron el comienzo de su exitosa sociedad artística con Jorge Porcel y una de las etapas más prolíficas y reconocidas de su carrera, tanto en cine como en tevé. Y la década del ochenta le dio paso a su estelaridad en solitario, en el emblemático programa No toca botón, dirigido por Hugo Sofovich, y que también generó personajes inolvidables: Rogelio Roldán, el Manosanta, Chiquito Reyes, Borges, el General González. A la par desarrolló una intensa actividad en el teatro de revistas compartiendo cartel con grandes colegas y vedettes: Moria Casán, Susana Giménez, Javier Portales, entre otros. Era un día lluvioso de marzo (*en 5/03/1988), la temporada teatral veraniega estaba por clausurarse en Mar del Plata ante el inminente final del verano y el país se conmocionó al conocer que su gran humorista Alberto Olmedo había muerto tras caerse del balcón del departamento en el cual se alojaba por esos tiempos. El edificio Maral 39, y su departamento del piso 11, pasaron a la historia por haber sido testigos de una de las tragedias más grandes que vivió el mundo artístico y el público: su cómico más amado había muerto a los 54 años nada más y nada menos y en pleno auge de su carrera Las suspicacias y las hipótesis alrededor de su muerte no tardaron en aparecer y se incrementaron a raíz del conocimiento de algunos detalles previos a su caída. Olmedo no estaba solo en ese momento, estaba acompañado por quien era en aquel entonces su pareja, la modelo y actriz Nancy Herrera, quien según contó intentó agarrar al humorista cuando perdió el equilibrio en la baranda del balcón pero no pudo sujetarlo más y termino cayendo al vacío. Herrera comentó que se estaban reconciliando, que habían bebido champagne y negó que hayan consumido cocaína tal como se especuló. Al poco tiempo del fallecimiento Herrera hizo público su embarazo de Olmedo. Tuvo un varón al que llamó Alberto en su honor. El negro, como se lo apodaba, tuvo otros hijos, un total de seis, incluyendo al que no llegó a conocer. Antes de Herrera estuvo casado con Judith Jaroslavsky y Tita Russ.

Biografía de Pablo Neruda

Seudónimo de Neftalí Ricardo Reyes Basoalto; Nacido el 12 de julio de 1904 en Parral, en la región chilena de Maule, la madre del poeta murió sólo un mes más tarde de que naciera él, momento en que su padre, un empleado ferroviario, se instaló en Temuco, donde el joven Pablo Neruda cursó sus primeros estudios y conoció a Gabriela Mistral. Comenzó muy pronto a escribir poesía, y en 1921 publicó La canción de la fiesta, su primer poema, con el seudónimo de Pablo Neruda (en homenaje al poeta checo Jan Neruda), nombre que mantuvo a partir de entonces y que legalizaría en 1946. También en Temuco comenzó a trabajar en un periódico, hasta que a los dieciséis años se trasladó a Santiago para cursar estudios de profesor de francés. Allí se incorporó como redactor a la revista Claridad, en la que aparecieron poemas suyos. Tras publicar algunos libros de poesía, en 1924 alcanzó fama internacional con Veinte poemas de amor y una canción desesperada, obra que, junto con Tentativa del hombre infinito, distingue la primera etapa de su producción poética, señalada por la transición del modernismo a formas vanguardistas influidas por el creacionismo de Vicente Huidobro. Los problemas económicos indujeron a Pablo Neruda a emprender, en 1926, la carrera consular que lo llevó a residir en Birmania, Ceilán, Java, Singapur y, entre 1934 y 1938, en España, donde se relacionó con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Gerardo Diego, Miguel Hernández y otros componentes de la llamada Generación del 27, y fundó la revista Caballo Verde para la Poesía. Desde su primer manifiesto tomó partido por una «poesía sin pureza» y próxima a la realidad inmediata, en consonancia con su toma de conciencia social. En tal sentido, Neruda apoyó a los republicanos al estallar la Guerra Civil española (preludio de la Segunda Guerra Mundial) y escribió España en el corazón (1937). Previamente, sin embargo, sus poemas habían experimentado una transición hacia formas herméticas y hacia un tono más sombrío al reflejar el paso del tiempo, el caos y la muerte en la realidad cotidiana, temas dominantes en otro de sus libros imprescindibles, Residencia en la tierra, publicado en dos partes en 1933 y 1935 y que constituye el eje de su segunda etapa. Imágenes originalísimas y audaces de raigambre surrealista expresan en esta obra una visión profundamente desolada del ser humano, extraviado en un mundo caótico e incomprensible. De regreso en Chile, en 1939 Neruda ingresó en el Partido Comunista y su obra experimentó un giro hacia la militancia política. Esta tercera etapa, que tuvo su preludio en España en el corazón (1937), culminaría con la exaltación de los mitos americanos de su Canto general (1950). En 1945 fue el primer poeta en ser galardonado con el Premio Nacional de Literatura de Chile. Al mismo tiempo, desde su escaño de senador, Pablo Neruda utilizó su oratoria para denunciar los abusos y las desigualdades del sistema. Tal actitud provocó la persecución gubernamental y su posterior exilio en Argentina. De allí pasó a México, y más tarde viajó por la URSS, China y los países de la Europa del Este. Tras este viaje, durante el cual Neruda escribió poemas laudatorios y propagandísticos y recibió el Premio Lenin de la Paz, volvió a Chile. A partir de entonces, la poesía de Pablo Neruda inició una nueva etapa en la que la simplicidad formal se correspondió con una gran intensidad lírica y un tono general de serenidad; el mismo título de una obra central de este periodo, Odas elementales (1954-1957), caracteriza los versos de aquellos años. En 1956 se separó de su segunda esposa, Delia del Carril, para unirse a Matilde Urrutia, que acompañaría al poeta hasta el final de sus días. Su prestigio internacional fue reconocido en 1971, año en que se le concedió el premio Nobel de Literatura. El año anterior Pablo Neruda había renunciado a la candidatura presidencial en favor de Salvador Allende, quien lo nombró poco después embajador en París. Dos años más tarde, ya gravemente enfermo, regresó a Chile. Falleció en Santiago el 23 de septiembre de 1973, profundamente afectado por el golpe de estado del general Augusto Pinochet, que doce días antes había derrocado a Salvador Allende. De publicación póstuma es la autobiografía Confieso que he vivido.

Biografía de Sandro

Sandro fue un cantautor argentino de canción melódica, rock and roll y pop en castellano. Su verdadero nombre es Roberto Sánchez, nació el 19 de agosto de 1945. Al comenzar la escuela secundaria en 1958, lo expulsan durante primer año. Fue empleado metalúrgico, aprendiz de joyero y vendedor de damajuanas de vino con su padre. En 1960 forma su primer grupo llamado Trío Azul; luego uno de los integrantes abandona el grupo y éste se convierte en el dúo Los Caribes -disuelto al poco tiempo- por lo cual Sandro comienza su carrera solista. En esa época da origen a la banda Los Caniches de Oklahoma, integrada por Héctor Centurión, Lito Vásquez, Armando Quiroga y Sandro, quien oficiaba como guitarrista y segunda voz. Más tarde se transforman en Los De Fuego. En agosto de 1963 graba su primer single titulado “¿A Esto Llamas Amor?” y un foxtrot: “Eres Un Demonio Disfrazado”. Luego registró “Choza De Azúcar” y “Dulce”. En 1964 debuta con Los De Fuego en el disco “Presentando A Sandro”, con las canciones: “Hay Mucha Agitación” y “Las Noches Largas”. A lo largo de su carrera, Sandro editó más de 25 discos, entre ellos: “Sandro y Los De Fuego” (1965), “Alma y Fuego” (1966), "El Sorprendente Mundo de Sandro" (1966), "Beat Latino" (1967),  “Una Muchacha y Una Guitarra” (1968), "Quiero Llenarme de Ti" (1968) , "Sandro" (1969), "Sandro de América" (1969), "La Magia de Sandro" ( 1969), "Muchacho"  (1970),  "Sandro en New York" (1970), "Sandro Espectacular" (1971), "Te Espero ... Sandro" (1972),  "Después de 10 Años” (1973), "Sandro Siempre Sandro" (1974), "Tu Me Enloqueces", (1975),  "Sandro Live En Puerto Rico" (1975),  "Sandro" (1976), "Sandro, un ídolo"  (1977), “Querer Como Dios Manda” (1978), "Sandro"  (1978), "Sandro" (1979), "Sandro" (1981), “Fue Sin Querer” (1982), "Vengo A Ocupar Mi Lugar" (1984), "Sandro" (1986),  "Sandro 88" (1988), "Volviendo a Casa" (1990), "Con Gusto a Mujer" (1992),  “Clásico” (1994). En 1996 edita "Historia Viva".  En 1997 la compañía Sony edita "Presentando A Sandro", disco recopilatorio de los vinilos simpes de los años 1963 y 1964. En 1998 lanza “Mis 30 Mejores Canciones Cd I”  y “Mis 30 Mejores Canciones Cd II”. En 2001 lanza "Para Mamá". En el 2002 sale a la venta "Para Mamá Vol 2". A partir del año 2001 Sandro empieza a sufrir graves problemas físicos que lo llevan a suspender algunas presentaciones y a permanecer internado por cortos períodos. Esto no hace que el cantautor se aleje de la música; a pesar de todo continúa cantando. En el 2003 edita el disco "Recién Ayer (Mi Vida, Mi Música)". En 2004 presenta “Amor Gitano” y continúa con el indiscutible éxito que le valió el nombre de "Sandro de América". En 2005 lanza el disco "En Vivo". En 2006 "Secretamente Palabras De Amor (Para Escuchar En Penumbras)". En el 2007 sale en CD y DVD "Lo Mejor". Tras estar 45 días internado en Mendoza por un doble trasplante de pulmón y corazón y luego de recibir distintas operaciones, el lunes 4 de enero de 2010  fallece, a los 64 años. Esta triste noticia es dada a conocer por Claudio Burgos, uno de sus médicos, quien alrededor de las 20.40hs anuncia que el artista fallece a causa de un shock séptico. El martes siguiente una multitud despide al astro argentino en el Congreso Nacional, donde velaron sus restos. El 19 de agosto de 2020, el ídolo, el Gitano, ese torbellino que dejaba sin aliento a las mujeres, hubiera cumplido 75 años.  Como regalo se publica  “No Te Vayas Todavía”, una canción escrita, música y letra, por Sandro, que por algún motivo nunca llegó a grabar para incluir en alguno de sus discos. En agosto de 2021 sale a la luz " Tengo una historia así", un disco que contiene 10 grabaciones de sus canciones nunca antes publicadas hasta la fecha.

Charly García

Charly García

(Carlos Alberto García Moreno; Buenos Aires, 23 de octubre de 1951) Músico argentino, uno de los más reconocidos intérpretes y compositores de rock y de rock progresivo de su país. A la temprana edad de cuatro años ya tocaba el piano y a los doce recibió el diploma de concertista de música clásica, lo que da cuenta de su extraordinario talento para la música.

 

Charly García

 

Con catorce años formó su primer grupo, To Walk Spanish, en donde interpretaba versiones de The Beatles y The Rolling Stones; más tarde formó Sui Generis, junto a Nito Mestre y Carlos Piegari. Con este grupo editó su primer disco, Vida, que salió a la venta en 1972. Tras éste vinieron Confesiones de invierno (1973) e Instituciones (1974). Pero en 1975 el grupo se disolvió.

 

Poco después formó PorSuiGieco, grupo de efímera vida que no llegó a editar ningún disco. Y más tarde, en ese mismo año de 1975, lo intentó con otra nueva banda, La máquina de hacer pájaros, grupo que lanzó al mercado dos discos: La máquina de hacer pájaros y Películas, en los años 1976 y 1977, respectivamente.

 

En 1978 Charly formó otra banda, Serú Girán; aunque no obtuvo con ella gran popularidad, grabó cinco discos hasta el año 1982, año en que este grupo dejó de existir y nuestro protagonista volvió a montar otra formación, esta vez con Andrés Calamaro a los teclados. Con esta nueva banda obtuvo por fin el reconocimiento popular, sobre todo a raíz de la edición de Yendo de la cama al living. Era el tiempo de la Guerra de Las Malvinas, y las nuevas canciones se presentaron en el estadio de Ferrocarril Oeste ante veinticinco mil personas.

 

Un año más tarde, Charly García volvió a cambiar el personal de la banda que le acompañaba; Calamaro, concretamente, fue sustituido por Fito Páez en los teclados. El primer fruto de esta nueva formación fue Clics modernos, al que siguió Piano Bar en 1984.

 

 

En 1986 comenzó una segunda etapa de la carrera musical de García. Grabó su siguiente álbum, Tango, con un antiguo compañero de Serú Girán, Pedro Aznar. Más tarde, se decidió a grabar definitivamente en solitario, y fruto de este trabajo fue el elepé Parte de la religión, que vio la luz en 1987, y en el que las colaboraciones de otros músicos brillaban por su ausencia. Tras éste, se editó una recopilación de canciones (Cómo conseguir chicas) que no habían salido a la luz en el momento en que habían sido creadas.

 

En 1991, de nuevo con Pedro Aznar, grabó Tango 4, y un año más tarde volvieron a reunirse los integrantes de Serú Girán, reencuentro del que nació Serú Girán ´92. En 1994 compuso una ópera-rock llamada La hija de la lágrima. Un año más tarde volvió a la carga con Estaba en llamas cuando me acosté y, en ese mismo año, grabó un unplugged para la MTV. Este disco marcó el fin de otra etapa en la vida del prolífico músico argentino.

 

En 1996 editó Say no more, que fue lanzado al mercado desde su propio sello discográfico, también llamado Say no more. El siguiente lanzamiento de la compañía discográfica de García fue un     proyecto llamado Constant Concept, en el cual Mercedes Sosa interpretaba canciones del propio Charly García. En 2004 recibió el premio Latino de Honor de la Academia de la Música argentina.

  

Biografía de Julio Cortázar

Julio Cortázar

(Bruselas, 1914 - París, 1984) Escritor argentino, una de las grandes figuras del llamado «boom» de la literatura hispanoamericana, fenómeno editorial que, en la década de 1960, dio merecida proyección internacional a los narradores del continente.

 

Emparentado con Borges como inteligentísimo cultivador del cuento fantástico, los relatos breves de Cortázar se apartaron sin embargo de la alegoría metafísica para indagar en las facetas inquietantes y enigmáticas de lo cotidiano, en una búsqueda de la autenticidad y del sentido profundo de lo real que halló siempre lejos del encorsetamiento de las creencias, patrones y rutinas establecidas. Su afán renovador se manifiesta sobre todo en el estilo y en la subversión de los géneros que se verifica en muchos de sus libros, de entre los cuales la novela Rayuela (1963), con sus dos posibles órdenes de lectura, sobresale como su obra maestra.

 

Biografía

Hijo de un funcionario asignado a la embajada argentina en Bélgica, su nacimiento coincidió con el inicio de la Primera Guerra Mundial, por lo que sus padres permanecieron más de lo previsto en Europa. En 1918, a los cuatro años de edad, Julio Cortázar se desplazó con ellos a Argentina, para radicarse en el suburbio bonaerense de Banfield.

Tras completar sus estudios primarios, siguió los de magisterio y letras y durante cinco años fue maestro rural. Pasó más tarde a Buenos Aires, y en 1951 viajó a París con una beca. Concluida ésta, su trabajo como traductor de la UNESCO le permitió afincarse definitivamente en la capital francesa. Por entonces Julio Cortázar ya había publicado en Buenos Aires el poemario Presencia con el seudónimo de «Julio Denis», el poema dramático Los reyes y la primera de sus series de relatos breves, Bestiario, en la que se advierte la profunda influencia de Jorge Luis Borges.

En la década de 1960, Julio Cortázar se convirtió en una de las principales figuras del llamado «boom» de la literatura hispanoamericana y disfrutó del reconocimiento internacional. Su nombre se colocó al mismo nivel que el de los grandes protagonistas del «boom»: Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, los mexicanos Juan Rulfo y Carlos Fuentes, los uruguayos Juan Carlos Onetti y Mario Benedetti o sus compatriotas Jorge Luis Borges y Ernesto Sábato, entre otros. A diferencia de Borges, Cortázar sumó a su sensibilidad artística su preocupación social: se identificó con las clases marginadas y estuvo muy cerca de los movimientos de izquierdas.

En este sentido, su viaje a la Cuba de Fidel Castro en 1962 constituyó una experiencia decisiva en su vida y el detonante de un radical cambio de actitud que influiría profundamente en su vida y en su obra: el intelectual introvertido que había sido hasta entonces devendrá activista político. Merced a su concienciación social y política, en 1970 se desplazó a Chile para asistir a la ceremonia de toma de posesión como presidente de Salvador Allende y, más tarde, a Nicaragua para apoyar al movimiento sandinista. Como personaje público, Julio Cortázar intervino con firmeza en la defensa de los derechos humanos, y fue uno de los promotores y miembros más activos del Tribunal Russell.

Como parte de este compromiso escribió numerosos artículos y libros, entre ellos Dossier Chile: el libro negro, sobre los excesos del régimen del general Pinochet, y Nicaragua, tan violentamente dulce, testimonio de la lucha sandinista contra la dictadura de Anastasio Somoza, en el que incluyó el cuento Apocalipsis en Solentiname y el poema Noticias para viajeros. Tres años antes de morir adoptó la nacionalidad francesa, aunque sin renunciar a la argentina. Falleció en París el 12 de febrero de 1984, poco después de enviudar de su segunda mujer, Carol Dunlop.

 

La obra de Julio Cortázar

La literatura de Cortázar parte de un cuestionamiento vital, cercano a los planteamientos existencialistas en la medida en que puede caracterizarse como una búsqueda de la autenticidad, del sentido profundo de la vida y del mundo. Tal temática se expresó en ocasiones en obras de marcado carácter experimental, que lo convierten en uno de los mayores innovadores de la lengua y la narrativa en lengua castellana.

Como en Jorge Luis Borges, sus relatos ahondan en lo fantástico, aunque sin abandonar por ello el referente de la realidad cotidiana: de hecho, la aparición de lo fantástico en la vida cotidiana muestra precisamente la abismal complejidad de lo "real". Para Cortázar, la realidad inmediata significa una vía de acceso a otros registros de lo real, donde la plenitud de la vida alcanza múltiples formulaciones. De ahí que su narrativa constituya un permanente cuestionamiento de la razón y de los esquemas convencionales de pensamiento.

 

En la obra de Cortázar, el instinto, el azar, el goce de los sentidos, el humor y el juego terminan por identificarse con la escritura, que es a su vez la formulación del existir en el mundo. Las rupturas de los órdenes cronológico y espacial sacan al lector de su punto de vista convencional, proponiéndole diferentes posibilidades de participación, de modo que el acto de la lectura es llamado a completar el universo narrativo. Tales propuestas alcanzaron sus más acabadas expresiones en las novelas, especialmente en Rayuela, considerada una de las obras fundamentales de la literatura de lengua castellana, y en sus relatos breves, donde, pese a su originalísimo estilo y su dominio inigualable del ritmo narrativo, se mantuvo más cercano a la convenciones del género. Cabe destacar, entre otros muchos cuentos, Casa tomada o Las babas del diablo, ambos llevados al cine, y El perseguidor, cuyo protagonista evoca la figura del saxofonista negro Charlie Parker.

Aunque su primer libro fueron los poemas de Presencia (1938, firmados con el seudónimo de «Julio Denis»), seguidos por Los reyes, una reconstrucción igualmente poética del mito del Minotauro, esta etapa se considera en general la prehistoria cortazariana, y suelen darse como inicio de su bibliografía los relatos que integraron Bestiario (1951), publicados en la misma fecha en la que inició su exilio. A esta tardía iniciación (se acercaba por entonces a los cuarenta años) suele atribuirse la perfección de su obra, que desde esa entrega no contendrá un solo texto que pueda considerarse menor.

Cabe señalar, además, una singularidad inaugurada en simultáneo con esa entrega: las sucesivas recopilaciones de relatos de Cortázar conservarían esa especie de perfección estructural casi clasicista, dentro de los cánones del género. El resto de su producción (novelas extraordinariamente rupturistas y textos misceláneos) se aleja hasta tal punto de las convenciones genéricas que es difícilmente clasificable. De hecho, buena parte de la crítica aprecia más su faceta de cuentista impecable que la de prosista subversivo.

 

Los cuentos

En el ámbito del cuento, Julio Cortázar es un exquisito cultivador del género fantástico, con una singular capacidad para fusionar en sus relatos los mundos de la imaginación y de lo cotidiano, obteniendo como resultado un producto altamente inquietante. Ilustración de ello es, en Bestiario (1951), un cuento como "Casa tomada", en el que una pareja de hermanos percibe cómo, diariamente, su amplio caserón va siendo ocupado por presencias extrañas e indefinibles que terminan provocando, primero, su confinamiento dentro de la propia casa, y, más tarde, su expulsión definitiva.

Lo mismo podría decirse a propósito de Las armas secretas (1959), entre cuyos cuentos destaca "El perseguidor", que tiene por protagonista a un crítico de jazz que ha escrito un libro sobre un célebre saxofonista borracho y drogadicto. Cuando se dispone a preparar la segunda edición del mismo, Jonnhy, el saxofonista, quiere exponerle sus opiniones acerca de su propia música y el libro, pero, en realidad, no le cuenta nada; no parece que tenga nada profundo que decir, como tampoco lo tiene el autor del libro, por lo que, muerto Jonnhy, la segunda edición únicamente se diferencia de la primera por el añadido de una necrológica.

 En los cuentos de Final del juego (1964), encontramos algunas de las descripciones más crueles de Cortázar, como por ejemplo "Las ménades", una auténtica pesadilla; pero también hay sátiras, como ocurre en "La banda", en el que su protagonista, cansado del sistema imperante en su país (clara alusión al peronismo), se destierra voluntariamente, como Cortázar hizo a París en 1951. En "Axolotl", tras contemplar diaria y obsesivamente un ejemplar de estos anfibios en un acuario, el narrador del cuento se ve convertido en uno más de ellos, recuperando de tal manera el tema del viejo mito azteca.

De Todos los fuegos el fuego (1966), compuesto por otros ocho relatos, hay que destacar "La autopista del Sur", historia de un amor nacido durante un embotellamiento, cuyos protagonistas, que no se han dicho sus nombres, son arrastrados por la riada de vehículos cuando el atasco se deshace y no vuelven ya nunca a encontrarse. Impresionante es asimismo el cuento que da título a la colección, en el que se mezclan admirablemente una historia actual con otra ocurrida cientos de años atrás.

En los también ocho cuentos de Octaedro (1974), lo fantástico vuelve a mezclarse con la vida de los hombres, casi siempre en el momento más inesperado de su existencia. Más cercanas a lo cotidiano y abiertas a la normalidad son sus tres últimas colecciones de relatos, Alguien que anda por ahí (1977), Queremos tanto a Glenda y otros relatos (1980) y Deshoras (1982), sin que por ello dejen de estar presentes los temas y motivos que caracterizan su producción.

Rayuela y la narrativa inclasificable

Pero es precisamente lejos del relato corto donde reside la huella revolucionaria e irrepetible que Julio Cortázar dejó en la literatura en lengua española, desde su novela inicial (Los premios, 1960) hasta la amorosa despedida textual de Nicaragua, tan violentamente dulce (1984). El momento álgido de esta propuesta innovadora que aniquilaba las convenciones genéricas fue la escritura de Rayuela (1963).

Protagonizada por un álter ego de Cortázar, Horacio Oliveira, Rayuela narra el itinerario de un intelectual argentino en París (primera parte) y luego en Argentina (segunda parte), para agregar, en la tercera parte y al modo de misceláneas, una serie de anotaciones, recortes periodísticos, poemas y citas que pueden intercalarse en la lectura de las dos primeras, según el recorrido que decida el lector, a partir de los dos que propone el autor.

Las desavenencias amorosas entre La Maga y Horacio Oliveira, los conflictos intelectuales de Horacio, una amplia red de referencias culturales, con el jazz en posición preferente, y la invitación a la participación del lector como coautor de esa obra abierta, encontraron en el clima de efervescencia cultural de la década de 1960 su perfecto campo de desarrollo. Rayuela ha quedado así como uno de los emblemas imprescindibles de la cultura argentina de ese momento, en el que la novela de Julio Cortázar ocupó un lugar central y fue objeto de toda clase de asedios y comentarios críticos.

Algunas de las sucesivas novelas de Cortazar fueron un intento de avanzar en la dirección de Rayuela: así, la titulada 62. Modelo para armar (1968) es un excelente comentario en paralelo, extraído de una propuesta sugerida en el capítulo 62 de su obra maestra. En el Libro de Manuel (1973), el experimentalismo deja paso a un intento de explicar la difícil convivencia entre el compromiso político y la libertad individual.

Por lo que respecta al género de los "almanaques", esa combinación específicamente cortazariana de todos los géneros en ninguno, es imprescindible referirse a títulos como La vuelta al día en ochenta mundos (1967) o Último round (1969). Tales volúmenes, de difícil clasificación, alternan el cuento con el ensayo, el poema y el fragmento narrativo o crítico. En este apartado merecen mención aparte las inefables Historias de cronopios y de famas (1962), graciosos y complejos personajes simbólicos con singulares actitudes frente a la vida, Un tal Lucas (1979), irónico retrato de un personaje de extraña coherencia, y el casi póstumo Los autonautas de la cosmopista (1983), irrepetible mezcla de diario de viaje y testamento de amor.

Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cortazar.htm el 26 de agosto de 2021.

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Julio Cortázar.
En Biografías y Vidas.     La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). 

Biografía de Freddie Mercury

Ni su verdadero nombre fue Freddie Mercury, ni llegó al mundo en el Reino Unido, el país que le vio triunfar. Se llamaba Farrokh Bulsara y nació el 5 de septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar (Tanzania), situada en la costa este de África y famosa por su producción de especias. Figura provocadora, versátil y carismática como pocas, su prematuro fallecimiento el 24 de noviembre de 1991, a consecuencia del sida, conmocionó al mundo del espectáculo y a sus millones de seguidores en todo el planeta.

 

Biografía

 

Farrokh era un niño extraordinariamente guapo, tímido y muy apegado a su madre y a su hermana . Sus padres, Jer y Bomi Bulsara, formaban un matrimonio de origen persa devoto del profeta Zoroastro, y                 decidieron enviar al niño a la India para que recibiera una buena educación. Allí quedó al cuidado de sus tíos y fue matriculado en la St. Peter's School, institución de enseñanza británica situada en Panchgani, a unas cincuenta millas de Bombay.

 

Muy interesado por los deportes, el joven Bulsara mostró buenas maneras como boxeador aunque, después de que su madre le animara a colgar los guantes porque resultaba una práctica demasiado violenta, cambió el ring por la mesa de ping pong y a los diez años ya era campeón escolar de la disciplina.

 

Como también en aquellos años de la infancia comenzó a despertar su afición por la música, siguió clases de piano e ingresó en el coro de la escuela. Durante este periodo de formación, el inquieto Farrokh también empezó a demostrar ciertas aptitudes escénicas y participó en varias obras de teatro colegiales.

 

Muy pronto puso en pie su primer grupo musical, The Hectics, una banda amateur de rock and roll que prodigaba sus actuaciones en todas las fiestas y bailes del colegio. En esta formación, en la que ocupaba el puesto de pianista. Las primeras influencias musicales de Farrokh llegaron de la mística música hindú, de los sonidos clásicos y algo del rock and roll que por entonces se producía en otras partes del planeta. En aquella época, sus amigos del colegio comenzaron a llamarle Freddie, traducción más o menos fiel de Farrokh al inglés, y, de hecho, el propio joven firmaba en ocasiones como Frederick.

 

Regresó a Zanzíbar en 1962 junto a su familia, pero un par de años después, los Bulsara decidieron emigrar al Reino Unido, para huir del estallido de violencia que sufría la isla. Curiosamente, Freddie jamás volvería a su tierra natal, ni tampoco a la India; una nueva etapa de su vida comenzaba entonces en una casa de Feltham (Middlesex), cerca de Londres.

 

Ingresó en el Isleworth Polythecnic y, durante las vacaciones, se empleaba en trabajos eventuales para ganar un dinero extra. Hacia 1966, Freddie era un alumno de la Ealing Art School que estudiaba para convertirse en diseñador gráfico, aunque su interés por la música no había desaparecido. Abandonó su casa y alquiló un piso en Kensington junto a un compañero. En 1969 dejó la escuela con su diploma en artes gráficas y diseño en el bolsillo y comenzó a compartir piso con Roger, con quien acudía a un puesto del mercadillo de Kensington para vender ropa y pinturas.

 

En el verano de ese mismo año, Freddie empezó a cantar en un grupo de Liverpool llamado Ibex, que se había trasladado a Londres buscando fama y éxito, pero que tuvo una efímera y complicada existencia. El 23 de agosto de 1969, Freddie debutó en público junto al trío formado por Mike Bersin, John Tupp Taylor y Mick Miffer Smith..

 

Después de esta experiencia fallida, Freddie lo intentó en otra banda llamada Sour Milk Sea, con la que contactó gracias a un anuncio del Melody Maker en el que buscaban un vocalista. A finales de 1969, Freddie era el vocalista del grupo, en el que también estaban Chris Cheney y Jeremy Rubber Gallop a la guitarra, el bajista Paul Milan y el batería Rob Tyrell. Pero esta prometedora aventura tan sólo duró unos meses porque, en abril de 1970, Smile volvió a cruzarse en su trayectoria. Su viejo amigo Tim Staffell había decidido abandonar la formación y Roger y Brian le pidieron que fuera el vocalista del grupo.

 

Nace Queen

 

Freddie insistió en renombrar a la banda y suya fue la idea de bautizarla como Queen. Al mismo tiempo, cambió su apellido artístico y se convirtió desde ese momento en Freddie Mercury. Tras las innovaciones, el trío probó con varios bajistas hasta que en 1971 se incorporó a la formación un personaje tranquilo y sosegado, John Deacon.

 

El logotipo, otra de las señas de identidad de Queen, fue también una creación del vocalista, que dejó patentes sus dotes como imaginativo diseñador. La imagen presentaba los cuatro signos del zodíaco de los miembros de la banda (dos leones por Roger y John, los dos leos del grupo, el cangrejo por el signo cáncer de Brian May y las ninfas que identificaban el signo virgo de Freddie) alrededor de una gigantesca Q y, sobre todo ello, el ave fénix, que saludaba el nacimiento del grupo de las cenizas de otras formaciones. También desde el primer momento fue Freddie el impulsor de la imagen visual de la formación, con su personalísima puesta en escena y su inconfundible vestuario. El resto pertenece a la historia de Queen.

 

Un hecho importante en la vida privada de Mercury tuvo lugar en 1970; fue entonces cuando conoció a Mary Austin, con quien convivió durante siete años y con quien conservaría una buena amistad hasta el momento de su muerte. Curiosamente, antes de que Queen editara su primer disco, Freddie lanzó en solitario un tema llamado I can hear music, bajo el nombre de Larry Lurex.

 

Casi una década después, cuando ya había paladeado las mieles del éxito con Queen, Mercury hizo realidad otro de sus sueños. Siempre había sido un apasionado de la danza y el 7 de octubre de 1979 actuó con el Royal Ballet, para interpretar y bailar Bohemian Rhapsody y Crazy little thing called love.

 

La vida de excesos derivada de la fama y el éxito fue una leyenda que acompañó inevitablemente a Freddie Mercury. Sus fiestas fueron siempre sonadas, pero también se reconoció al músico por ser un gran amigo de sus amigos. Hacia finales de los setenta rompió su relación sentimental con Mary Austin y comenzaron a surgir rumores sobre su cambio de orientación sexual. Los comentarios arreciaban apoyados por el cambio radical de imagen que mostró el músico hacia 1980. Cortó al mínimo su larga cabellera y se dejó crecer un gran bigote, imitando la estética gay muy de moda en los bares de San Francisco y que fielmente habían reflejado los famosos Village People.

 

A finales de 1982, Queen hizo un paréntesis en su carrera y dio libertad a los miembros de la banda para que pusieran en marcha sus respectivos proyectos paralelos. Mercury alquiló los estudios Musicland de Munich y, junto al productor Mack, entró en ellos para grabar su primer álbum en solitario. Durante este período conoció también a toda una leyenda en el mundo de la producción musical, el gran Giorgio Moroder, padre del "electro disco".

 

En aquellos días, Moroder trabajaba en la banda sonora de la versión restaurada de Metrópolis, película mítica dirigida por Fritz Lang, y le pidió a Freddie que colaborara en un tema; el resultado fue Love kills, compuesta por ambos e interpretada por Mercury. El single, el primero firmado en solitario como Freddie Mercury, salió al mercado el 10 de septiembre de 1984, logró un éxito importante y le sirvió como trampolín para su siguiente trabajo.

 

Pocos meses antes del lanzamiento del single se había producido otro encuentro casual en la vida de Mercury que derivaría, en el futuro, en una sorprendente colaboración musical. En el mes de mayo de 1983 asistió al Royal Opera House de Londres para ver una representación de Un ballo di maschera, del compositor italiano Giuseppe Verdi, y cuentan que quedó cautivado por la belleza de la voz de la diva catalana Monserrat Caballé.

 

El 9 de abril de 1985 llegó a las tiendas el adelanto de su primer disco de larga duración, el sencillo I was born to love you, y, tres semanas más tarde, se presentó el álbum Mr. Bad Guy, ambos editados por CBS Records. Los resultados comerciales fueron excelentes y el 13 de julio de ese mismo año los muchos seguidores de Mercury pudieron contemplar su memorable actuación durante el concierto Live Aid en el estadio de Wembley.

 

A comienzos de 1987, Freddie entró en los estudios Townhouse de Londres para grabar algunas canciones. De esas sesiones nació el remake de The great pretender, un gran tema que The Platters había popularizado años atrás. A la venta desde el 23 de febrero de ese año, el trabajo se anotó un nuevo éxito en la ya larga lista del triunfante músico.

 

Un mes después, Mercury voló a Barcelona para conocer personalmente a aquella diva del bel canto que le cautivó años atrás. Monserrat Caballé recibió con agrado una casete con algunos temas del polifacético Mercury e incluso llegó a interpretar uno de ellos en el Covent Garden londinense. Un mes más tarde comenzaron a trabajar en la edición de su disco conjunto, y a finales de mayo ambos cantaron en directo el tema Barcelona en la discoteca Ku de Ibiza. El 8 de octubre de 1988 repitieron actuación en el festival La Nit de la Ciudad Condal, excelente presentación para el álbum Barcelona que se editó dos días después.

 

El triste final

 

Aquélla fue la última actuación en directo de Freddie Mercury. Aun sin anunciar la enfermedad, el deterioro de su estado físico era cada vez más evidente y Mercury se recluyó en su casa de Kensington, espaciando cada vez más sus apariciones. Ocultó su tragedia incluso a sus propios compañeros de grupo y tan sólo un día antes de su muerte anunció públicamente que padecía el sida desde 1986.

 

Murió en su cama a las siete de una fría tarde del día 24 de noviembre de 1991 como consecuencia de una neumonía que no pudo superar. Con tan sólo cuarenta y cinco años, el gran Freddie Mercury dijo adiós a la vida que tan intensamente había disfrutado y fue enterrado en una ceremonia íntima, conforme al rito mazdeísta.

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Freddie Mercury.
En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España).